갤러리 원에서 박미란 개인전 ‘그리움 연가(戀歌)’展 전시 진행됩니다.

자연의 질감과 존재감을 담아낸 독창적인 작업을 통해 

작품이 지닌 힘과 깊이를 가까이에서 느껴볼 수 있습니다.

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글로컬 openARTs실험실의 기획전시

'Deconstructed Radios, Broadcasting - Who’s listening?Konnekt, Geneva, CH'를

소개합니다. 이번 전시는 Simon Whetham 작가님의 전시가 진행될 예정입니다.

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<Deconstructed Radios〉는 점차 사라져가는 아날로그 라디오를 통해

일상 속에서 잊혀진 소리와 보이지 않던 구조를 다시 바라보는 설치 프로젝트입니다.

Simon Whetham 작가는 오래된 라디오를 분해하여 내부의 케이블과 회로를 드러내고,

이를 하나의 복잡한 시각적·청각적 네트워크로 재구성합니다.

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익숙한 라디오는 더 이상 단순한 가구나 장식물이 아닌,

과거의 신호와 현재의 공간을 연결하는 매개체가 됩니다.

기존 작업과 부산에서 새롭게 수집한 라디오를 함께 활용하며,

오픈아츠 스페이스 머지의 건축적 특성과 음향을 탐구하는 장소특정적 설치를 선보입니다.

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9월18일 오후7시에는 Simon Whetham작가님과 무용사 홍라무 작가님의

오프닝 협업 퍼포먼스도 진행될 예정이니, 많은 관심과 관람 부탁드립니다!

윤호준 개인전

일시 2026.09.02.(수) ~13.(일)

장소 CN갤러리 (서울시 종로구 북촌로 5길 56-7)

영업시간 10:00~18:00 (월요일, 공휴일 휴무)

초대일시 9월 3일 18:00~21:00

9월 3일 오후 6시부터 9시까지 루프탑CN에서 행사를 진행합니다.

<생기(生ː器)_재형의 유희> 도슨트, 케이터링, 국악 앙상블 공연까지

별도 예약 및 입장료 없이 즐기실 수 있으니 가벼운 발걸음으로 들러주세요!

생기(生:器)_ 완결된 형의 유희라는 감각적 쓰임

변청자 | 미술학 박사, 미술평론가

윤호준에게 전통도자는 과거의 형식을 재현하기 위한 대상이 아니라, 새로운 가능성을 발견할 수 있는 현재의 조형적 대상이다. 그가 오래된 청자와 백자의 형상을 가져오는 이유는 원형 그대로 복원하거나 재현하기 위해서가 아니다. 이미 완결된 전통의 형식에 개입하여 그 안에 잠재된 다른 가능성을 끌어내고, 익숙한 도자의 질서 안에 낯선 장면과 사건을 발생시킨다. 그렇게 과거의 형상은 더 이상 고정된 유물이 아니라 현재의 감각과 만나 다시 작동하는 대상이 된다. 2021년 비평에서는 이러한 작업을 전통도자의 차용과 ‘아(我)’ 개입을 통해 형식과 의미를 열어가는 ‘도자유희’로 설명한 바 있다. 당시의 관심이 전통도자가 어떻게 놀이의 대상으로 전환되는가에 있었다면, 이번 전시에서는 그보다 한 단계 더 나아간 질문을 던진다. 오랜 시간 도자를 가지고 놀아온 윤호준에게 이제 도자는 무엇인가.

그 답을 찾기 위해 그의 도자를 장르 바깥에서 바라볼 필요는 없다. 오히려 가장 익숙한 도자의 내부, 곧 그릇과 문양에서 시작해야 한다. 윤호준에게 도자는 우선 그릇이다. 그러나 그릇의 쓰임은 무언가를 담는 기능에만 한정되지 않는다. 전통의 그릇이 실용과 장식, 상징의 기능을 함께 품어왔듯이, 그의 작업은 여기에 또 하나의 쓰임을 덧붙인다. 그것은 익숙한 형을 다시 보게 하고, 움직이게 하며, 새로운 장면을 만들어내는 유희이다. 그의 최근 작업에서 중요한 것은 새로운 기형을 만들어내는 데 있지 않다. 이미 존재하는 그릇과 문양의 관계에 개입하여 그사이에 새로운 동작과 사건을 끼워 넣고, 익숙한 도자의 질서를 흔들어 그것이 다시 작동하도록 하는 데 있다.

이러한 시도는 백자에서 특히 선명하다. <백자청화탈호작대치문호>(2026)에서 항아리 표면에 있던 호랑이와 까치는 더 이상 문양으로서의 자리에 머물지 않는다. 둘은 항아리의 표면을 밀어내듯 몸을 밖으로 내밀며 서로 마주한다. 그런데 흥미로운 점은 이들이 빠져나간 자리가 깨끗하게 지워지지 않는다는 것이다. 그릇 표면에는 문양의 윤곽선이 남아있고, 밖으로 나온 동물의 뒷면에는 표면에 있었던 것과 같은 짙은 청화가 그대로 드러난다. 문양은 표면을 떠나는 순간에도 자신이 어디에서 왔는지를 흔적으로 남긴다. 이러한 ‘탈주의 흔적’은 문양이 평면적 이미지에서 입체적 형상으로 변하는 과정 자체를 가시화한다. 이제 문양은 그릇을 장식하는 부수적 요소가 아니라 표면을 벗어나 공간을 점유하고, 그릇의 바깥에서 새로운 장면을 만들어내는 조형적 힘이 된다. 2021년 작품 <백자청화송하탈호작문호> 등의 작업에서 시작된 ‘탈주’가 이제 단순한 형상의 돌출을 넘어, 문양과 기형 사이에 사건을 발생시키는 조형 원리로 발전한 것이다. 

청자에서는 같은 유희가 다른 방식으로 나타난다. 백자가 문양을 표면 밖으로 끌어낸다면, 청자는 기형과 그 위에 놓인 형상에 행위를 부여한다. <보주를 찾아서>(2024)의 사자는 더 이상 향로를 받치는 장식적 존재에 머물지 않는다. 잃어버린 보주를 찾기 위해 몸을 낮추고 앞으로 나아가는 자세를 취함으로써 정적인 기물에 탐색의 시간을 만들어낸다. <신안사자향로보주기>(2026)에서는 이러한 행위가 더욱 구체적인 장면으로 발전한다. 두 개의 보주를 가진 사자가 그중 하나를 건네려는 듯한 자세를 취하면서, 향로의 발[足]과 사자는 하나의 기물 안에서 서로 호응하는 관계를 형성한다. 중요한 것은 사자가 단순히 생명체처럼 표현되었다는 사실이 아니다. 작가는 정지된 기형과 형상 사이에 하나의 행위를 끼워 넣음으로써, 기물이 머물러 있던 시간을 하나의 장면으로 전환한다. 거기에 더해 향로를 지탱하던 세 개의 발에도 미묘한 변주가 가해진다. 얼핏 지나치기 쉬운 작은 개입이지만, 자세히 들여다보아야만 발견되는 이 섬세한 유머는 사자의 움직임과 호응하며 기물 전체에 유희의 감각을 더한다. 이처럼 윤호준의 ‘도자유희’는 눈에 띄는 형상의 변형에만 머물지 않고, 가장 사소해 보이는 부분까지 슬며시 건드리며, 기물 곳곳에 놀이의 흔적을 남긴다. 

<청자상감찬보매병>(2026)을 함께 놓으면 작가가 청자를 어떻게 다루는지가 더욱 분명해진다. 이 작품에서 매병의 어깨 부분을 장식하던 문양은 마치 보자기의 한쪽을 들어 올리듯 위로 들려 있다. 여기서 중요한 점은 무언가를 ‘탈주’시키는 것이 아니라, 이미 완결된 기형에 새로운 동작을 부여하는 것이다. 매병의 곡선과 상감의 정교한 장식은 그대로 유지하면서도 그 위에 놓인 형상이 기물에 움직임을 만들어낸다. 이때 청자의 문양과 기형은 서로 분리되지 않고, 오히려 기형의 섬세함과 문양의 정교함이 새로운 행위를 받아들이면서 하나의 장면을 형성한다. 윤호준에게 청자는 과거의 기형을 재현하기 위한 것이 아니라, 그 안에 잠재된 다른 움직임을 발견하여 현재로 호출하는 것이다.

<달에게로 가는 길>(2025)은 이러한 탐색을 조금 다른 차원에서 보여준다. 둥근 백자의 형상은 달항아리를 연상시키지만 완성된 달항아리를 재현하기 위한 것이 아니다. ‘아(我)’가 무중력 상태에서 달을 부여잡을 듯 둥근 형상을 향해 몸을 뻗는 장면이 의도하는 것은 도달한 결과보다 도달하려는 의지의 표현이다. 작가는 달항아리의 완성된 형을 제시하는 대신, 그것을 향해 나아가는 상태를 작품의 출발점으로 삼는다. 이러한 작업에서 그릇은 완성된 대상이 아니라 하나의 목표가 된다. 도자를 만드는 일은 형을 완성하는 일이면서 동시에 그 형에 끊임없이 접근하는 일이며, 그릇은 더 이상 완결된 결과가 아니라 계속해서 열려 있는 하나의 가능성이 된다.

분청에서는 이러한 태도가 더욱 적극적인 ‘형(再形)의 행위로 전환된다. 이 작업은 2024년부터 본격적으로 시작되었으며, 이번 전시에서 하나의 중요한 축을 이룬다. <분청사기탈철화어문병>(2025)에서 물고기는 병의 표면에 그려진 문양을 벗어나 실제 공간으로 튀어나온다. 그러나 분청의 실험은 여기에서 멈추지 않는다. <분청사기파상조화쌍어문병>(2025)에서는 주병의 상·하부가 분절되고 서로 맞물리면서 기존의 기형이 새로운 구조로 재편된다. 상부가 하부를 받치면서 주병은 새로운 형태가 되고, 그 안에 있던 물고기와 물의 이미지 역시 이전과 다른 장면을 만들어낸다. 이때 분청의 조화·박지·철화로 이루어진 선(線)은 단순한 장식이 아니다. 작가는 문양의 선을 따라 형을 나누고, 다시 그것을 결합한다. 문양으로 형을 해체하고, 해체된 형을 다시 문양과 함께 구성하는 것이다. 이 지점에서 ‘도자재형(陶瓷再形)’은 단순히 전통 기형을 변형하는 기법을 넘어, 문양과 형의 관계를 새롭게 조직하는 조형적 사고가 된다. 이는 윤호준의 조형적 실험이 전통 기형의 변형을 넘어 형과 문양의 관계 자체를 다루는 단계로 나아가고 있음을 보여준다.

이렇게 보면 청자·백자·분청이라는 구분은 단순한 재료와 기법의 차이에 있지 않다. 그는 각각의 도자가 지닌 조형적 특성을 서로 다른 방식의 유희로 전환한다. 백자에서는 문양이 표면을 벗어나고, 청자에서는 정적인 기형과 형상 사이에 행위가 발생하며, 분청에서는 문양을 따라 형이 해체되고 다시 구성된다. 방식은 서로 다르지만 그 방향은 같다. 이미 완결된 것으로 보이는 그릇의 상태를 흔들어 그 안에 다른 가능성이 작동할 여지를 만드는 것이다. 이 과정에서 ‘아(我)’ 역시 달라졌다. 초기의 ‘아’가 도자를 직접 만지고 끌어안고 올라타며 도자를 몸으로 경험하는 촉각적 주체였다면, 최근에는 ‘아’가 등장하지 않는 작품이 오히려 많아진다. 이것은 ‘아’가 사라진 것이 아니라 유희의 방식이 달라졌음을 의미한다. ‘아’는 하나의 인물에서 작업 전체를 움직이는 조형적 원리로 이동한 것이다. 따라서 ‘아’는 작품 안에 직접 등장하지 않아도 된다. 문양을 표면 밖으로 끌어내고, 동물에게 행위를 부여하며, 기형을 분해하고 다시 결합하는 유희적 행위 자체가 이미 ‘아’의 작동이기 때문이다. ‘아’의 점진적인 퇴장은 인물의 소멸이라기보다, ‘아’가 수행하던 행위가 도자의 형식 자체로 스며드는 과정이다.

그렇기에 윤호준의 최근 작업에서 유희는 더 이상 단순한 놀이의 즐거움을 뜻하지 않는다. 그것은 완결된 것으로 주어진 도자의 형식을 다시 열어 놓는 조형적 실천이다. 그에게 그릇은 무언가를 담는 데만 머물지 않는다. 익숙한 것을 낯설게 하고, 정지된 형에 사건을 부여하며, 이미 알고 있다고 생각했던 대상을 다시 바라보게 하는 것 또한 도자를 통해 가능해지는 감각적 작동이다. 문양 역시 표면을 장식하는데 머물지 않는다. 밖으로 나와 형상이 되고, 형과 결합하며, 때로는 새로운 형을 만들어낸다. 그래서 윤호준이 말하는 ‘생기(生器)’는 생명체를 닮은 도자를 뜻하는 것이 아니라, 고정된 그릇에 새로운 쓰임과 가능성을 부여함으로써 그것을 다시 살아 있는 ‘조형(造形)’으로 전환하는 상태를 의미한다.

결국 작가가 지난 십여 년간 이어온 ‘도자유희’는 하나의 주제를 반복해온 것이 아니라, 도자를 어떻게 다시 작동시킬 것인가를 탐색해온 긴 과정이다. 이 과정에서 그가 주목한 것은 거창하게 새로운 도자 형식이 아니다. 오히려 너무 익숙해서 잊고 있었던 ‘그릇’이라는 도자의 출발점이다. 다만 이제 그 그릇은 과거의 쓰임으로 돌아가지 않는다. 윤호준은 전통의 형과 문양에 유희를 개입시키고, 그 안에 새로운 동작과 사건을 불러낸다. 그 결과 그릇은 더 이상 완결된 유물이 아니라 새로운 가능성을 품은 열린 형식이 된다. ‘생기(生器)’란 바로 이 전환을 가리킨다. 오래된 그릇에 새로운 쓰임을 부여하여 그것을 현재의 감각 속에서 다시 살아 있는 대상으로 만드는 것, 이것이 윤호준의 도자유희가 달려온 지점이다.

2026.09.02.

 제주미술제는 1991년 첫 개최 이후, 수많은 선배 작가님들의 열정과 헌신, 노력과 참여가 쌓여 지금의 자리에 이르렀습니다. 특히 2018년 제주특별자치도 위탁사업으로 전환된 이후, 보다 안정적인 운영 체계를 갖추며 제주를 대표하는 미술축제로 지속 발전되고 있습니다.

 2026 제30회 제주미술제 “별:별 제미: 프리뷰 파빌리온”은 이러한 제주미술제의 역사와 현재를 연결하는 전시입니다. 최근 15년간 제주미술제를 함께 기획하고 운영하며 집행해 온 작가들의 작품을 중심으로, 역대 제주미술제의 포스터·사진·인쇄물 등 아카이브 자료를 함께 소개합니다.

 단순히 과거의 기록을 보여주는 전시가 아니라. 제주미술제를 만들어 온 사람들의 작품과 기억을 통해 제주미술제의 정체성과 30년의 흐름을 미리 만나는 자리로 구성하고자 합니다.

 9월에 진행되는 이번 프리뷰 전시는 11월 본 행사에 앞서 제주미술제의 존재감과 화제성을 높이는 붐업 전시입니다.

 수도권 언론 및 중앙 미술계에 제주미술제의 역사와 현재를 알리고, 제주에서 시작된 동시대 작가들의 작품과 제주미술제의 30년 아카이브를 함께 소개함으로써 ʻ제주미술제 = 제주를 대표하는 미술축제’ 라는 브랜드 이미지를 강화 하고자 합니다.

 이를 통해 프리뷰 전시를 하나의 독립적인 전시로 끝내는 것이 아닌,11월 본 행사에 대한 관심과 기대를 높이고 관람객의 제주  방문과 본 전시 관람으로 자연스럽게 이어지는 연결의 장을 만들고자 합니다.

-제30회 제주미술제 사무국-

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2026 제30회 제주미술제 

《별 : 별 제미: 프리뷰 파빌리온》

2026. 9. 2.(수) - 9. 21.(월)

관람시간 10시 - 19시 (입장마감: 18시 30분)

매주 화요일 휴관

제주갤러리 (서울 종로구 인사동길 41-1 인사아트센터B1)

송인헌 작가는 색면으로 재구성한 풍경에 기억과 사유의 색을 담아내고 있습니다. 이번 전시는 프랑스 노르망디의 지베르니에서 마주한 풍경 속에서 경험한 빛과 색, 감각을 자신만의 조형언어로 재구성한 감각적인 색면회화 40여 점을 선보입니다.

일상에서 마주하는 풍경과 기억을 새롭게 바라보고, 색채가 만들어내는 다양한 감각과 사유를 경험하는 시간이 되길 바랍니다.

청주 갤러리원 B관 청주 김초윤 개인전

갤러리 원 청주점에서 김초윤 개인전이 전시 진행됩니다.

09월 01일부터 09월 06일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[김초윤 작가노트]

나의 작업은 일상의 익숙한 풍경 속에서 내게 감성적 울림을 주는 장면들을 포착하는 것에서부터 출발한다. 화려한 화양연화의 시절을 지나며 환하게 미소 짓는 꽃, 바라보는 것만으로도 마음에 평온이 스며드는 고양이들, 따뜻한 오후의 햇살 아래 조용히 흘러가는 시간, 조금씩 미묘하게 변해가며 생생한 색감을 뿜어내는 나뭇잎, 졸졸졸 시원한 소리를 내며 흐르는 계곡물, 바람에 일렁이는 숲의 속삭임, 내 삶에서 만나는 수많은 풍경과 그 풍경 속의 존재들...

내 시선이 머무는 시간 동안 그 대상들은 두런두런 내게 말을 걸어온다. 바쁘게만 내닫지 말고 잠시 쉬어가라고, 쉬어가도 괜찮다고... 그들이 나를 구성하고 나 역시 그들의 구성 요소로 작용하는 카이로스의 시간들... 저마다 다양한 모습으로 존재 자체가 가지는 독특함과 아름다운 존재감을 드러내며 내게 위안과 위로의 시간을 허락한다. 그렇게 만난 시간들은 느리지만 가슴 충만하게 흘러간다. 마음을 열고 세상을 보면 작거나 혹은 위대한 것들이 훅 내게로 들어와 우주가 되고 언어가 되어 길고도 행복한 시간을 선사한다. 이러한 모든 순간들이 내게는 선물이다. 

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.09.01 (화) ~ 2026.09.06 (일)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju_gallery_one) / blog.naver.com/gallery_one​ 

청주 갤러리원 A관 송원혜 개인전

갤러리 원 청주점에서 송원혜 개인전이 전시 진행됩니다.

09월 01일부터 09월 06일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[송원혜 작가노트]

“웃음에 마음을 담아 행복을 건네다”

매란국죽은 나에게 자연을 넘어,삶을 살아가는 마음의 모습이다매화의 기다림과 희망, 난의 고결함, 국화의 절개, 대나무의 곧은 마음을 현대적인 재료와 질감으로 환경을 생각하고 조형적으로 풀어내고자 했다.

웃음을 건네는 삐에로의 모습에도 때로는 힘겨움을 이겨내는 인내와 꿋꿋한 마음이 담겨 있다나는 그 안에서 매란국죽의 정신을 발견 한다

삶이 흔들릴 때에도 서로에게 작은 빛이 되어주는 마음,말없이 건네는 따뜻한 위로가 결국 행복이 아닐까?나의 그림이 누군가의 마음에 잠시 머물며희망과 온기를 전하고, 작은 행복 하나를 건네는 작품이 되기를 바란다

서양화작가 송원혜

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.09.01 (화) ~ 2026.09.06 (일)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju\_gallery\_one) / blog.naver.com/gallery\_one​

노주련 작가님의 개인전 《주련의 딱지: 시간을 접다》가

9월 20일(일)부터 10월 1일(목)까지 진행됩니다.

이번 전시는 경남 양산에 위치한 스페이스 나무 오로라 갤러리에서 만나보실 수 있습니다.

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노주련 작가는 어린 시절의 놀이였던 ‘딱지 접기’를 하나의 조형적 언어로 확장해,

종이를 접고 포개고 반복하는 행위를 통해

기억과 시간의 흔적을 화면에 담아냅니다.

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이번 전시의 중심 작품인 〈그린 그리움〉은 190×1,000cm의

대형 화면 위에 수많은 비단 딱지를 하나씩 접고 연결하여 완성한 작업입니다.

작은 딱지 하나하나가 하나의 기억이자 시간의 단위가 되어 반복되고 쌓이며,

개인의 기억은 거대한 하나의 풍경으로 확장됩니다.

​

작은 종이를 접는 반복적인 행위가 하나의 풍경이 되기까지,

그 안에 쌓인 시간과 기억을 천천히 마주해보시기 바랍니다.

강병섭 <The same place, Another space>

같은 장소에 머물러도 우리가 경험하는 공간은 저마다 다르다. 무심코 지나치는 거리와 건물도 어떤 시선으로 바라보느냐에 따라 새롭다.

강병섭 작가는 여행에서 마주한 도시 풍경을 자신만의 시선으로 포착한다. 장지에 분채를 겹겹이 쌓아 올린 밝고 따뜻한 색채와 섬세한 화면은 익숙한 도시에 낯선 감각을 더하고, 현실과 이상 사이 또 다른 세계를 만들어낸다.

어쩌면 여행은 이미 존재하는 것을 그대로 받아들이는 데 그치지 않고, 저마다의 세계를 발견하는 일인지도 모른다. 이번 전시를 통해 평범한 일상에도 잠시 다른 시선이 머물기를 바란다.

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The same place, Another space

전시 기간 ｜ 2026. 9. 1 - 2026. 11. 2

참여 작가 ｜ 강병섭

전시 장소 ｜ 현대백화점 무역센터점 H. art LAB 8F

운영 시간 ｜ 현대백화점 무역센터점 운영시간 참고

HEDWIG GALLERY

Tel ｜031-629-9998

Mail｜info@hedwiggallery.com

소집지기입니다.

9월 11일부터 시작되는 

새 전시 소식 전합니다. 

<전시 소개>

우리는 하루에도 수없이 스마트폰 화면을 터치합니다.

손끝이 화면을 스치고, 누르고, 움직이는 동안

수많은 지문과 터치의 흔적이 남지만,

대부분은 의식하지 못한 채 사라집니다.

저는 그렇게 무심코 남겨진 흔적을

바라보는 것에서 작업을 시작합니다.

특별한 의미 없이 남겨진 지문과

터치 자국을 가만히 들여다보면,

그 안에서 얼굴처럼 보이는 형상이나

동물, 미지의 생명체와 같은

이미지가 발견되기도 합니다.

저는 처음부터 특정한 이미지를

의도하여 그려내기보다,

흔적 속에서 눈에 들어온 형태를 따라

자유롭게 스케치하고,

감각에 따라 수없이 다듬어가며

하나의 이미지로 발전시킵니다.

저는 이러한 작업 방식을 ‘드래그(Drag)’와

‘그림’을 결합한 ‘드래그림’이라고

부르기도 합니다.

손끝으로 화면을 움직이며

남겨진 흔적에서 출발해,

그 안에 숨어있는 이미지를 발견하고

그림으로 확장하는 저만의 작업 방식입니다.

저에게 중요한 것은

무엇을 그릴 것인가보다,

무엇을 발견할 것인가입니다.

이 작업은 반복되는 일상과 

디지털 환경 속에서

무심코 지나쳤던 작은 흔적을

새로운 시선으로 바라보는 과정이기도 합니다.

아무 의미 없이 남겨진 흔적도 

바라보는 순간

하나의 이미지가 되고,

그 이미지는 다시 하나의 작품으로

확장될 수 있습니다.

저는 이러한 과정을 통해

우리가 반복되는 평범한 일상 속에서도

미처 발견하지 못했던 새로운 가능성을

만날 수 있다고 이야기하고 싶습니다.

앞으로도 저는 익숙한 것들을

조금 더 오래 바라보며,

무수한 흔적 속에 숨어있는 이미지와

가능성을 발견하고 기록하고

그려나가고자 합니다.

어쩌면 그림은 무언가를

새롭게 만들어내는 것에서

시작되는 것이 아니라,

이미 존재하나 아직 발견하지 못한 것을

새로운 시선으로 바라보는 순간부터

시작되는지도 모릅니다.

- 고은정 작가가 전하는 이야기 

<전시 정보>

기간 : 2026년 9월 11일 ~ 9월 27일

관람 시간 : 수~일 12:00~18:00

휴관 : 매주 월, 화요일

장소 : 강릉 소집 갤러리 

관람료 : 무료

<작가 만나는 날>

고은정 작가 만나는 날

2026.9.27. 오후 1시 30분 

강릉 소집 갤러리 

*전시 예고편

https://www.youtube.com/shorts/9VNHaNCGScs

*소집 갤러리 더 알아보기 

인스타그램 @storysozip

블로그 https://blog.naver.com/storysozip

일상의 사물과 장소를 통해 가치와 규칙, 기억과 흔적의 경계를 묻다

부산 현대미술의 다양한 흐름을 소개해 온 Gallery Interface(갤러리 인터페이스)​는 2026년 9월 18일부터 10월 10일까지 이원호 개인전 《얄궂게 파란》을 개최한다. 부산에서 주목할 만한 현대미술 전시로 선보이는 이번 개인전은 일상의 사물과 장소를 새로운 시선으로 바라보는 이원호 작가의 작품세계를 소개한다.

Gallery Interface는 부산을 기반으로 국내외 현대미술 작가와 전시를 소개하는 Busan Contemporary Art Gallery로, 예술적 깊이와 실험성을 지닌 현대미술 전시와 국제교류 프로젝트를 지속적으로 선보이고 있다. 이번 전시는 부산 현대미술의 장에서 이원호 작가가 오랜 시간 구축해 온 예술적 사유와 새로운 실험을 깊이 있게 조명하는 의미 있는 자리가 될 것이다.

이원호는 오랫동안 우리가 일상에서 당연하게 받아들이는 사물과 장소의 가치가 어디에서 만들어지는지, 그리고 그 가치를 가능하게 하는 사회적 규칙과 경계가 어떻게 작동하는지 질문해 온 작가다. 특별할 것 없는 일상의 사물과 장소에 주목하며, 이미 정해진 의미와 관계를 조금씩 이동시키는 방식으로 익숙한 가치와 판단의 기준을 다시 바라보게 한다.

이번 개인전 《얄궂게 파란》에서는 일상에서 쉽게 접할 수 있는 파란색 이삿짐 플라스틱 박스가 주요한 매개로 등장한다. 물건을 담고 이동시키는 이 박스는 이사와 물류의 현장에서는 운반의 도구가 되고, 누군가에게는 생계를 위한 수단이 되며, 또 다른 상황에서는 사적인 물건과 기록을 외부로 옮기는 용기가 되기도 한다.

작가는 하나의 사물이 놓이는 장소와 상황에 따라 전혀 다른 의미와 가치를 갖게 되는 지점에 주목한다. 파란 박스를 통해 보호와 노출, 정착과 이동, 소유와 폐기, 허용과 금지​처럼 서로 상반된 상태가 하나의 사물 안에서 어떻게 공존하는지를 살펴본다.

전시에는 작가의 개인적인 기억과 연결된 고방유리도 중요한 요소로 등장한다. 유리 너머의 존재는 보이지만 그 형태를 온전히 알아볼 수 없는 고방유리의 특성은 시간이 흐르며 일부는 사라지고 일부는 예상하지 못한 모습으로 남는 우리의 기억과 닮아 있다. 작가는 이를 통해 ‘보이는 것’과 ‘안다고 생각하는 것’ 사이에 존재하는 거리​를 드러낸다.

동일한 규격과 색을 가진 파란 박스들이 반복되고 포개지는 또 다른 공간에서는 완전한 질서처럼 보이는 구조 속에서 미세한 차이와 어긋남이 나타난다. 작가는 이러한 틈을 결핍이나 실패가 아니라 다른 시간과 관계가 개입할 수 있는 가능성의 자리로 바라본다.

이번 전시에서 ‘파랑’은 단순한 색채를 넘어선다. 균질하고 안정적으로 보이는 파랑 안에는 서로 다른 시간과 흔적, 관계가 공존한다. 그리고 전시 제목의 ‘얄궂다’​는 좋음과 불편함, 그리움과 거리감처럼 하나로 명확하게 정의하기 어려운 복합적인 상태를 담고 있다.

《얄궂게 파란》은 우리가 쉽게 가치 있다고 판단하거나 불필요하다고 버리는 것, 보았기 때문에 안다고 생각하는 것, 그리고 이미 사라졌기에 끝났다고 여기는 것에 대해 다시 질문한다. 이원호는 사라진 것을 원래의 모습으로 복원하기보다, 사라진 장소와 사물의 흔적이 다른 형태로 어떻게 현재에 남아 관계를 만들어가는지 보여준다.

이번 전시는 일상의 익숙한 사물을 통해 가치와 규칙, 소유와 이동, 장소와 기억, 보이는 것과 알 수 있는 것 사이에 존재하는 미세한 틈​을 바라보게 한다. 그 틈에서 관객은 익숙하게 굳어진 판단을 잠시 멈추고, 사물과 장소 그리고 자신의 기억을 새로운 시선으로 마주하게 된다.

갤러리 인터페이스에서 개최되는 이원호 개인전 《얄궂게 파란》은 이러한 작업의 흐름을 이어가며, 일상적인 사물에 축적된 시간과 흔적, 기억과 망각 사이에 존재하는 보이지 않는 관계에서 출발한 새로운 작품들​을 선보입니다. 익숙한 사물이 작가의 시선을 통과하며 어떻게 새로운 의미와 관계를 만들어내고, 우리가 당연하게 여겨온 가치와 기억의 기준을 어떻게 다시 질문하게 하는지 만나볼 수 있습니다. 작품을 직접 마주했을 때 비로소 발견되는 감각과 의미, 그리고 《얄궂게 파란》이라는 제목이 품고 있는 이야기가 관람객 각자의 기억과 감각에 닿아 오래도록 깊은 울림으로 남기를 바랍니다.

■ 이원호작가 프로필

이원호 작가는 홍익대학교 회화과 및 동 대학원을 졸업하고, 독일 슈투트가르트 쿤스트 아카데미 조소과 석사과정과 Aufbaustudium(마이스터슐러) 과정​을 졸업하였습니다. 현재 경성대학교 현대미술학과 교수로 재직하며 창작과 교육을 함께 이어가고 있습니다.

20여 년간 한국과 유럽을 중심으로 활발한 국내외 활동을 펼쳐왔으며, 슈투트가르트, 도쿄, 서울, 부산 등에서 다수의 개인전을 개최하였습니다. 또한 국립현대미술관, 서울시립미술관, 수원시립미술관, 국립아시아문화전당, 문화역서울284, 아르코미술관, 제주도립미술관, 일본 국립신미술관​을 비롯하여 독일·일본·벨기에·네덜란드·인도 등 국내외 주요 미술기관의 전시와 국제 프로젝트에 참여하며 폭넓은 예술 활동을 이어왔습니다.

창작에 머무르지 않고 서울시·문화체육관광부 공공미술 프로젝트 운영단장을 비롯하여 다양한 전시와 공공예술 프로젝트를 기획하였으며, 금천예술공장, 고양창작스튜디오, 난지미술창작스튜디오 등 주요 레지던시 프로그램에도 참여하였습니다. 송은미술대상전 우수상, 독일 바덴뷔르템베르크 주정부 예술인 지원 프로그램 선정 등 국내외에서 예술적 성과를 인정받았으며, 2022년에는 ​제71회 서울특별시 문화상 미술부문을 수상하였습니다.

작품은 국립현대미술관, 서울시립미술관, 부산현대미술관, 전남도립미술관, 독일 슈투트가르트 국립미술관, 송은문화재단​을 비롯한 국내외 주요 기관과 컬렉션에 소장되어 있습니다. 또한 서울·인천·수원·부천 등에서 다양한 공공미술 작품을 선보였으며, 국립극장, 국립오페라극장, 세종문화회관, 국립아시아문화전당, 국립정동극장 등에서 무대미술·미술감독·영상디자인을 맡으며 순수미술을 넘어 공연예술의 영역까지 활동의 지평을 넓혀왔습니다.

이원호 작가는 회화와 조각의 전통적인 장르를 넘어 설치, 공공미술, 전시기획, 무대미술과 영상디자인을 아우르는 폭넓은 예술 활동을 통해 자신만의 작업 세계를 구축해왔습니다. 특히 일상의 사물과 장소, 그리고 그 안에 내재된 가치와 사회적 관계를 새로운 시선으로 바라보며 동시대의 삶과 사회를 질문하는 작업을 지속해왔습니다.

그동안 부산에서는 이원호 작가의 작품세계를 한자리에서 깊이 있게 만나볼 기회가 많지 않았던 만큼, 이번 갤러리 인터페이스 개인전은 작가의 작업 세계를 가까이에서 직접 경험할 수 있는 뜻깊은 자리가 될 것입니다. 국내외 미술 현장에서 오랜 시간 자신만의 예술적 언어를 구축해온 이원호 작가의 작품을 부산에서 만나볼 수 있는 이번 전시에 ​많은 관심과 관람을 부탁드리며, 널리 홍보해 주시면 감사하겠습니다.

■ 이원호 작가노트 中

나는 오랫동안 사물과 장소의 가치가 어디에서 만들어지는지, 그리고 그 가치를 가능하게 하는 규칙과 경계가 어떻게 작동하는지를 질문해 왔다. 걸인의 동냥그릇, 감정가를 잃은 골동품, 노숙인의 박스 집, 운동장의 흰 선, 부동산과 집, 문을 닫은 상점의 간판처럼 내가 선택한 대상들은 대부분 특별할 것 없는 일상의 사물과 장소였다.

나는 그것들에게 새로운 의미를 부여하기보다 이미 부여된 의미와 관계를 조금 움직여 보았다. 사고 팔고, 옮기고, 지우고, 수집하고, 펼치거나 다시 놓는 과정에서 사물의 위치와 관계가 달라지면 당연하게 여겼던 가치의 기준과 사회적 규칙도 잠시 흔들린다. 내가 계속 묻는 것은 결국 무엇이 어떤 것을 가치 있게 만드는가 하는 문제다. 같은 사물이 누군가에게는 반드시 간직해야 할 것이 되고, 다른 누군가에게는 폐기해도 되는 것이 되는 순간, 나는 그 판단 사이에 존재하는 틈을 바라본다. 나에게 작업은 결론을 내리는 일이라기보다 이미 단단하게 구축된 질서와 판단을 다시 의심하는 과정에 가깝다.

이번 개인전 《얄궂게 파란》에서는 파란색 이삿짐 플라스틱 박스가 이러한 질문을 이어받는다. 파란 박스는 이사와 물류 현장에서 물건을 이동시키고, 지하철 이동상인에게는 생계의 도구가 되며, 때로는 압수수색의 현장에서 사적인 기록을 수거하는 제도의 용기로 등장한다. 소중한 것을 보호하면서 동시에 원래의 장소에서 반출하고, 정착을 가능하게 하면서 언제든 다시 이동할 수밖에 없는 상태를 드러낸다. 무언가를 담는다는 것은 동시에 무엇을 담지 않을 것인가를 결정하는 일이기도 하다. 그래서 나에게 파란 박스는 보호와 노출, 정착과 이동, 소유와 폐기, 허용과 금지처럼 서로 상반된 상태를 동시에 품는 장치이다.

파란 박스는 2019년과 2023년의 작업에서도 등장했다. 2019년에는 지하철 이동상인의 비공식적인 유통과 순환의 질서를, 2023년에는 무엇을 이동시키고 무엇을 남길 것인가라는 선택을 통해 소유와 폐기, 선택과 배제의 문제를 바라보았다. 이번 전시에서는 파란 박스 안에 잠재되어 있던 문제를 보다 적극적으로 펼쳐, 내가 오래 다루어 온 가치와 규칙, 소유와 이동, 장소와 경계의 관계를 우리가 보고, 기억하고, 남기고, 버리는 방식으로까지 확장하고자 한다.

여기에 고방유리가 개입한다. 오래전 내가 살았던 집의 현관문에는 고방유리가 있었다. 그 집은 재개발로 사라졌지만, 나는 그곳에서 무엇을 보았는가보다 고방유리를 통해 세계가 어떻게 보였는가를 더 분명하게 기억한다. 유리 너머의 존재는 감지할 수 있었지만 요철을 통과한 사람과 풍경은 흐려졌고, 그 윤곽을 온전히 확인할 수 없었다.

나는 이 상태가 기억과 닮아 있다고 생각한다. 기억은 과거를 온전히 보존하지 않는다. 장소는 하나의 완결된 이미지로 남기보다, 유리의 질감이나 빛의 색, 냄새, 나무처럼 서로 다른 감각의 파편으로 흩어져 남는다. 중요하다고 생각했던 것은 사라지고, 당시에는 중요하지 않았던 것이 기억의 중심이 되기도 한다. 무엇을 기억의 대상으로 남기는가 역시 가치의 문제와 무관하지 않다. 그래서 고방유리는 사라진 것을 재현하는 물건이라기보다 내가 세계를 바라보고 기억하는 방식 자체를 드러내는 장치에 가깝다.

고방유리 뒤에는 이미 사용의 흔적을 가진 파란 박스가 놓인다. 내가 기억하는 한 장소의 사적인 시간과, 알 수 없는 여러 장소를 지나온 박스의 익명적인 시간이 겹친다. 그러나 고방유리는 두 시간을 하나의 서사로 봉합하기보다 다시 분절한다.

나는 이 보이는 것과 알아볼 수 있는 것 사이의 거리에 관심이 있다. 나의 작업은 보이지 않게 된 것을 다시 보여주는 일이라기보다, 보이는 것과 알 수 있는 것 사이에 남아 있는 거리를 드러내는 일에 가깝다.

전시의 다른 한편에서는 동일한 규격과 색을 가진 새로운 파란 박스들이 반복되고 포개어진다. 동일한 규격은 완전한 질서를 약속하는 듯하지만, 반복이 거듭될수록 미세한 차이와 어긋남이 드러난다. 나는 완전해 보이는 것 안에 이미 존재하는 작은 불완전함에 관심이 있다. 그 틈은 질서의 실패가 아니라 다른 시간과 관계가 개입할 수 있는 자리이다.

그 틈에는 기능을 다한 노끈이나 사라진 장소에서 남은 물질들이 개입한다. 이것은 쓸모를 잃은 것에 새로운 가치를 부여하려는 일이 아니다. 하나의 기능이 끝났다고 해서 그 사물이 지나온 시간과 관계까지 함께 사라지는 것은 아니라는 사실에 대한 관심이다. 과거 내가 살았던 집의 살구나무에서 남은 씨앗 역시 사라진 장소의 잔여이면서 아직 일어나지 않은 가능성을 동시에 품는다. 이미 지나간 것과 아직 오지 않은 것이 하나의 작은 물질 안에서 겹쳐진다.

내 작업에서 사라짐은 완전한 부재라기보다 다른 상태로의 이동에 가깝다. 기능은 잔여가 되고, 장소는 기억이 되며, 사건은 흔적이 된다. 사라진 것은 원래의 모습으로 돌아오지 않지만 다른 형태를 취해 현재에 다시 개입한다.

이번 전시에서 이러한 생각은 두 종류의 틈으로 나타난다. 고방유리에서는 보이는 것과 알아볼 수 있는 것 사이의 시선의 틈으로, 적층에서는 반복되는 구조가 끝내 완전히 맞물리지 않는 구조의 틈으로 나타난다. 한쪽에서는 시선이 완결되지 않고, 다른 한쪽에서는 구조가 완결되지 않는다. 나는 그 불완전함을 결핍이라고 생각하지 않는다. 오히려 그 틈 때문에 다른 시간과 관계가 들어올 수 있다고 생각한다.

그래서 이번 전시에서 파랑은 단순한 색채가 아니다. 강렬하고 균질한 파랑은 서로 다른 것들을 하나의 질서 안에 묶어 보이게 하지만, 그 안의 차이와 어긋남을 완전히 지우지는 못한다. 고방유리 뒤에서 파랑은 분절되고, 적층에서는 반복된다. 나에게 파랑은 안정의 색이라기보다 안정된 것처럼 보이는 상태의 색에 가깝다.

‘얄궂다’는 말 역시 하나의 감정으로 쉽게 결정되지 않는다. 좋으면서 불편하고, 그리우면서 돌아가고 싶지는 않으며, 사라졌다는 것을 알면서도 여전히 그것의 영향을 받는 상태다.

어쩌면 내 작업은 우리가 너무 쉽게 내려온 판단을 잠시 늦추는 일인지도 모른다. 가치가 있거나 없다고 말하고, 필요하거나 불필요하다고 구분하고, 보았으니 안다고 생각하며, 지나갔으니 끝났다고 판단하는 순간에 작은 지연을 만드는 일이다.

나는 사라졌거나 이미 끝났다고 판단한 것들이 어떤 방식으로 여전히 현재를 구성하고 있는지를 계속 묻는다. 그리고 보이지 않게 된 것을 다시 보여주기보다, 보이는 것과 알 수 있는 것 사이에 남아 있는 거리를 드러내고 싶다. 그 거리와 틈은 결핍의 자리가 아니라 굳어진 판단이 잠시 멈추고 다른 시간과 관계가 들어올 수 있는 자리이다.

이원호 프로필

학력

2009 슈투트가르트쿤스트 아카데미 조소과Aufbaustudium (마이스터슐러) 과정 졸업

2007 슈투트가르트 쿤스트 아카데미 조소과 석사과정 졸업

1999 홍익대학교 회화과 대학원 졸업

1997 홍익대학교 회화과 졸업

현) 경성대 현대미술학과 교수

개인전(selected)

2025 뒷, 예술공간 아름, 수원, 한국

2023 서식지, 오픈스페이스 블록스, 성남, 한국

2022 let’s stay in unknown, Brigitte March gallery, 슈투트가르트, 독일

2021 오만가지, 자하미술관, 서울, 한국

2020 모씨이야기, 523 쿤스트독, 부산, 한국

2019 적절할 때까지, 페리지갤러리, 서울, 한국

2017 The weight of the vacuum, Yumiko Chiba Associate, 도쿄, 일본

2015 진품명품전(傳)전, 금천예술공장PS333, 서울, 한국 외 다수

그룹전(selected)

2026 변두리의 알리바이, 뮤늬만 뮤지움, 광주, 한국

2026 Splendid Isolation,

2026 입는 존재, Wearing Being: On the Matter of Clothing, 수원시립미술관, 수원

2025 우리들의 낙원, 문화역서울284, 서울, 한국

2025 4.3 미술제 타오른 바람, 이어든 빛, 예술공간 이아, 제주, 한국

2025 Under Construction : moving Scenes II, Gallery Brigitte March, 슈투트가르트, 독일

2024 차이의 미학, 서소문성지역사박물관, 서울, 한국

2024 나는 우리를 사랑하고 싶다. 북서울서울시립미술관, 서울, 한국

2023 당신의 이상한 세계, 우민아트센터, 청주, 한국

2023 예술사회학을 지나야 예술철학이 나온다, 서울대미술관, 서울, 한국

2023 beautiful soup –five inclusion tactics for seven curators, de

AppelAmsterdam, 암스테르담, 네델란드

2022 다면체 미로 속의 진동_ 2022 한국민중미술특별전, 국립아시아문화전당, 광주, 한국

2022 어느 정도 예술공동체: 부기우기 미술관, 울산시립미술관, 울산, 한국

2021 인미공7월호_접힌 경계: 안과밖, 인사미술공간, 서울, 한국

2021 보더리스사이트, 문화역서울284, 서울, 한국

2020 대기실프로젝트 전혀 예술적인, 엉성한 미술관, 서울시립남서울미술관, 서울

2020 cutting off 접촉 경계 혼란,토탈미술관, 서울, 한국

2020 모두의 소장품, 서울시립미술관, 서울, 한국

2019 광장전, 국립현대미술관, 과천, 한국

2019 빙빙bing bing, 갤러리d/p, 서울, 한국

2018 비장소non-place, 갤러리 담담(베를린 한국문화원), 베를린, 독일

2017 제주 비엔날레 “투어리즘”, 제주 도립미술관, 제주, 한국

2017 도시,도시인city and the people, 북서울미술관, 서울, 한국

2016 홈리스의 도시, 아르코미술관, 서울, 한국

2016 태화강국제설치미술제, 울산태화강생태공원, 울산, 한국

2015 ARTISTFILE 2015: 동행, 국립현대미술관, 과천, 한국

2015 ARTISTFILE 2015: Next Door, 일본 국립신미술관, 도쿄, 일본

1997~ 외 다수

기획(selected)

2023 고도를기대하며 looking forward to [ɡɔ.do], 신흥공공예술창작소+수정구 수

로222 3층, 성남, 한국

2022 스크리닝쇼케이스 꼬리에 꼬리를 물어, 신흥공공예술창작소, 성남, 한국

2021. 서울시-문체부 공공미술프로젝트 <서울, 25부작;> 총괄운영, 서울, 한국 외

다수

레지던시 및 수상(selected)

2022       71회 서울시 문화상(미술) 수상, 한국

2022       공저참여. <고수의 도구> 한국에서 가장 아름다운 책 선정, 소환사 발 행,  디자인 홍은주 <주최 : 대한출판문화협회>

2011~2023 난지미술창작스튜디오, 고양창작스튜디오, 금천예술공장, 신흥공공예술 창작소, 홍은예술창작스튜디오 레지던시 작가 선정

2011~2021 서울문화재단 지원사업 다수 선정,

2011        송은미술대상전 우수상 수상

2010        Landesgraduiertenförderung Stipendium, 독일 바덴-뷔르템베어그 주정 부 + 슈투트가르트 미술대학, 슈투트가르트, 독일

전시명: Softer Tempo

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작가명: 이정민

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기간: 2026.08.13.목 - 11.13.금

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시간: 12:00 - 21:30

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장소: 몽도 (서울 서초구 잠원동 31-1)

https://naver.me/FgHlQ0ae

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휴무: 화요일

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작품 및 전시 문의: 퍼블릭갤러리

전화> 070-4233-1122

카카오톡> http://pf.kakao.com/_tNxklC 

인스타그램> @publicgallery_

9월의 두 번째 전시를 소개드리고자 하는데요,

최규식 작가님의 개인전이 9월 10일(목)부터 9월 19일(토)까지 진행됩니다.

​

이번 전시는 경남 양산에 위치한 스페이스 나무 오로라 갤러리에서 진행됩니다.

자연과 어우러진 공간의 특성이 최규식 작가님의 작품과도 잘 어울려,

작품의 분위기를 깊이 있게 느낄 수 있는 전시 공간입니다.

많은 관심과 관람 부탁드립니다!

​

2026년 9월 11 금요일부터 17일 목요일까지 정병규 작가님의

제 2회 개인전 'ON & OFF 켜지고, 멈추고, 다시 움직이는 것들' 전시가 진행됩니다.

​

<ON & OFF〉는 에너지와 관계, 기억과 감정 속에서 끊임없이 켜지고 꺼지는 인간의 마음과 움직임이야기한다.

멈춤처럼 보이는 OFF의 순간에도 다시 움직이기 위한 작은 신호가 시작된다는 점에 주목하며, ON과 OFF 사이의 변화와 가능성을 담아낸다.

아트인네이처의 기획전시 '원로작가 다큐레이팅 프로젝트' 전시를 소개합니다.

다큐레이팅은 '다큐'와 '큐레이팅'의 합성어로, 예술가의 생애와 예술세계를 깊이 있고 조명하고자 하는 의미가 있습니다.

본 프로젝트를 통해 생애 전반을 예술과 함께한 작가들의 예술세계를 조명하고,

생동감 있는 기록물로 그들의 역사를 보존하고자 합니다.

​

2026년의 첫 번째 다큐레이팅 참여 작가로 이세훈 작가님을 모셔보았습니다.

이번 전시는 '공존의 경계에 흐르다: 파괴와 생성, 그리고 시선의 궤적'입니다.

​

우리는 과연 타인, 그리고 자연과 진정으로 어울려 살아가고 있을까요?

이번 전시 《공존의 경계에 흐르다》는 그동안 삶과 생명의 순환을 다루어온 ‘영성의 고리’ 연작의 연장선에서,

나와 너, 인간과 자연 사이에 존재하는 경계와 그 의미를 흙이라는 따뜻한 매개체로 풀어냅니다.

​

이번 전시는 어렵고 거창한 담론을 전하기보다

비워냄으로써 비로소 마주하는 순수한 깨달음의 공간으로 깊은 사색과 마주하기를 바랍니다.

흙이 전하는 조용한 울림 속에서,

잠시 멈추어 서서 나 자신과 주변을 부드럽게 감싸 안는 편안한 사색의 시간을 가져보세요.

 

異名Alias : 원래의 이름을 잃고 다르게 불리는 낯선 정체성, 명칭

耳鳴 Tinnitus : 내면에서 거꾸로 들려오거나 일상의 소음을 뚫고 들려오는 기이한 주파수

내가 잘 알고 있다고 믿었던 대상이 문득 낯설게 느껴지거나, 몰랐던 존재가 눈앞에 불쑥 나타날 때가 있다. 이 전시는 두려움과 익숙함, 현실과 환상처럼 서로 반대되는 감각들이 뒤섞이고 뒤집히는 순간을 다룬다.

공포와 익숙함, 긍정과 부정, 내면과 외면, 현세와 이세계. 이 전시는 이 대립하는 감각들이 어느 한쪽으로도 완전히 기울지 않은 채, 낯익음과 낯섦이 동시에 존재하는 그 애매한 경계를 드러낸다. 거창한 환상과 평범한 일상의 경계가 무너지는 낯선 틈새와 공간을 기획한다.

“Alias” refers to an obscure identity that has shed its original name to be called by another, while “Tinnitus” signifies an intimate, internal sound audible only to myself.

There are moments when what I believed I knew well suddenly confronts me with an alien face, or when an unknown presence abruptly enters my field of vision. My work revolves around moments of encounter where opposing sensations—fear and familiarity, the tangible and the fantastical, positive and negative, the mundane and the otherworldly—intersect, hybridize, and are ultimately subverted.

Refusing to settle on either pole, I delve into the transient, in-between threshold where these conflicting perceptions coexist. Through this exhibition, I bring to life strange crevices and uncanny spaces where the rigid boundary between grand mythologies and ordinary reality completely collapses.

 

빛은 무언가에 닿고 표면에 스며들어야 비로소 빛이 된다.

흙을 만져온 나날, 손끝으로 내면의 빛을 빚는다.

주정미의 첫 번째 개인전, 정통 창살 문양을 새기다 마주한 두 개의 십자가와 뚫린창호지 창처럼, 이번 전시는 삶의 궤적과 가족을 향한 마음이 머문 작고 따스한 빛의 틈을 세상에 조심스레 내어놓는 자리다.

매일의 밥상을 채우던 반상기에 봄, 여름, 가을, 겨울의 순환하는 시간을 담아낸다. 봉오리에서 만개로 이어지는 형태와 계절의 볕을 닮아 번져가는 유약의 흐름은 흙과 불을 지나며 비로소 각 계절의 고유한 표정을 얻는다.

새롭게 일군 나만의 공간에서 쏘아 올린 이 소박하고 정직한 그릇들이, 전시를 마주하는 이들의 밥상과 마음에 따뜻한 빛 한 점으로 스며든다.

Light only becomes light when it touches a surface and seeps into its texture.

Through days spent working with clay, the artist's practice shapes the light within through tactile fingertips.

Unfolding like the two crosses encountered while carving traditional lattice motifs and the delicate glimpses seen through a pierced paper window, this exhibition gently presents the subtle, warm chinks of light that trace the trajectory of a life and a deep, devotional affection for family.

The collection explores the cyclical rhythm of the all Seasons within a traditional tableware set, the foundational vessels that anchor our daily meals. Silhouettes transitioning from tightly closed buds to full bloom, alongside an amalgam of glazes spreading like seasonal sunlight, pass through earth and fire to bring to life the distinct countenance of each season.

Conceived in a newly cultivated personal sanctuary, these honest, humble vessels enter into a quiet dialogue with the viewers, permeating their tables and hearts as a radiant ray of light.

청주 갤러리원 A관 김다겸 개인전

갤러리 원 청주점에서 김다겸 개인전이 전시 진행됩니다.

08월 19일부터 08월 30일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[김다겸 작가노트]

저는 바다에서 느꼈던 위로와 해방감을 작업의 출발점으로 삼습니다. 바다는 저에게 단순한 풍경이 아

니라, 복잡한 감정을 잠시 내려놓고 마음을 쉬게 하는 공간입니다. 제 작업은 바다의 깊은 모습보다 

물결과 기포, 물의 흐름처럼 끊임없이 변화하는 표면의 움직임을 담아내는 데 집중합니다.

표현 방식은 플루이드(Fluid) 기법을 기반으로 하지만, 일반적으로 사용하는 푸어링 미디엄 대신 지점

토를 물에 녹여 사용하고 한국화 안료를 더해 작업합니다. 지점토가 가진 높은 점성과 밀도는 물감이 

천천히 겹쳐지고 흐르도록 만들어 바다의 유동적인 움직임과 층을 자연스럽게 표현하게 합니다. 여기

에 한국화 안료를 사용하여 한국화의 정체성을 유지하면서도 새로운 표현 가능성을 탐구하고 있습니

다.

제 작업은 결국 '흐름'과 '위로'에 대한 이야기입니다. 끊임없이 변화하는 물의 흐름을 통해 감정의 움

직임을 표현하고, 바다에서 받았던 편안함과 위로가 작품을 마주하는 이들에게도 조용히 전해지기를 

바랍니다

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.08.19 (수) ~ 2026.08.30 (일)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju\_gallery\_one) / blog.naver.com/gallery\_one​

청주 갤러리원 B관 청주 공예협회전

갤러리 원 청주점에서 청주 공예협회전이 전시 진행됩니다.

08월 22일부터 08월 30일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[전시 소개]

이번 전시를 위해 정성과 열정을 담아 작품을 준비하신 청주공예협회 회원 여러분께 

깊은 존경과 감사의 말씀을 드리며, 전시를 위해 애써주신 여러분께도 따뜻한 격려를 

전합니다.

공예는 오랜 시간 이어져 온 우리의 전통과 문화를 담아내는 예술인 동시에, 오늘의 

삶을 더욱 풍요롭게 만드는 창조적 가치입니다. 장인의 손끝에서 탄생한 작품에는 

기술과 미감뿐만 아니라 작가의 철학과 삶의 이야기가 담겨 있으며, 이는 사람들에게 

깊은 감동과 공감을 전합니다.

청주는 대한민국을 대표하는 공예문화도시로서 전통과 현대가 조화를 이루며 새로운 

공예문화를 만들어가고 있습니다. 

그 중심에서 청주공예협회는 지역 공예문화의 발전과 공예인의 창작 활동을 이끌며 

공예의 가치를 널리 알리는 데 중요한 역할을 해오고 있습니다. 이번 전시 또한 지역 

공예의 현재를 보여주는 뜻깊은 자리이자, 앞으로의 가능성과 미래를 함께 그려보는 

소중한 기회가 될 것입니다.

충북공예협동조합 역시 지역 공예인들의 창작 기반을 더욱 넓히고, 공예가 지역문화와 

산업을 연결하는 중요한 자산으로 자리매김할 수 있도록 함께 협력하고 응원하겠습니다. 

이번 전시가 참여 작가들에게는 자긍심과 새로운 도전의 계기가 되고, 관람하는 

모든 분들께는 공예가 지닌 따뜻한 감성과 아름다움을 만나는 뜻깊은 시간이 되기를 

바랍니다. 

다시 한번 청주공예협회 전시회를 축하드리며, 이 시간이 여러분께 의미있고 특별한 

시간으로 기억되길 바랍니다

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.08.22 (금) ~ 2026.08.30 (일)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju_gallery_one) / blog.naver.com/gallery_one​ 

 

*전시 제목: 가물 玄(Unseen) ,

*전시 기간: 2026.08.28-10.25 / 11:00-17:00 / 매주 화요일, 공휴일 휴무

*장소: 갤러리 궁 / 2층-3층

*오프닝 이벤트: UNSEEN : SOUNDIMAGE 8월 28일(금) 오후 19:00

갤러리 궁은 8월 28일부터 10월 25일까지 김유경 작가의 개인전 《가물 玄(Unseen)》을 개최합니다. 이번 전시는 장소에 대한 기억에서 출발한 (2026) 시리즈와, 식민과 냉전의 영향 아래 끊임없이 변모해 온 땅을 탐색한 (2025–2026) 시리즈로 구성되며, 회화와 설치, 드로잉, 영상을 통해 보이지 않는 시간과 존재의 층위를 다채롭게 조명합니다.

전시 제목 ‘가물 현(玄)’은 단순히 검은색만을 의미하지 않습니다. ‘玄’은 깊고 멀어 검게 보이는 상태이자, 안과 밖, 보이는 것과 보이지 않는 것이 맞닿는 경계, 그리고 쉽게 구분되지 않는 문턱 을 뜻합니다. 작가는 이 단어를 ‘가물가물하다’라는 말의 감각과도 연결합니다. 희미해진 기억, 소멸하지 않는 풍경, 존재와 부재 사이를 오가는 흔들림처럼, 선명하게 규정되는 형상보다 시간 속 에 스며든 기운과 흔적에 주목합니다. 작가에게 그것은 사라짐이 아니라 또 다른 방식의 존재입니다.

작가는 특정 장소에 축적된 시간과 보이지 않는 풍경을 꾸준히 탐구해왔습니다. 작가에게 작업이란 대상을 있는 그대로 재현하는 것이 아니라, 장소와 오랜 관계를 맺으며 그 안에 겹겹이 쌓인 역사와 기억, 기운을 더듬는 과정입니다. 작가는 선명해지기 직전과 사라지기 직전의 상태를 붙잡으며 관객 스스로 풍경 너머를 상상할 수 있도록 유도합니다.

은 작가의 고향인 부산에 대한 개인적 기억과 익숙한 장소를 다시 마주한 경험에서 출발했습니다. 작가가 어린 시절을 보낸 해안은 매립되어 바다가 아닌 땅으로 변했고, 익숙했던 풍경 역시 끊임없이 모습을 바꾸었습니다. 낯설게 변해버린 그곳에서 우연히 옛 기억을 불러일으키는 오래된 숲을 마주한 작가는, 변화 속에서도 끊이지 않고 이어지는 생명의 흔적을 발견합니다. 흰 여백 위에 겹겹이 쌓이는 검은 선들은 이러한 미세한 움직임을 포착하며, 얽

히고 이어지는 교차를 통해 화면에 고유한 생명력을 불어넣습니다.

전시의 중심축인 은 식민과 냉전의 흔적이 중첩된 땅을 오래 답사하며 형성된 시선에서 비롯되었습니다. 작가에게 이 땅은 과거와 현재, 인간과 자연의 시간이 겹쳐지며 생동하는 공간입니다. 작품 속 검은 땅과 바위, 뿌리와 나무는 눈에 보이는 대상을 넘어 그곳에 켜켜이 쌓인 역사와 삶의 흔적, 보이지 않는 기운을 응축한 회화적 결과물입니다. 함께 선보이는 영상 작가와의 협업 작업은 ‘가물 玄’이 품은 다층적인 의미를 새로운 시간성과 움직

임으로 확장하려는 시도입니다.

《가물 玄(Unseen)》은 보이지 않는 시간을 일방적으로 드러내기보다, 너무 깊고 오래되어 손에 쉽게 잡히지 않는 세계 앞에 가만히 머물게 하는 전시입니다. 관객은 원초적이고 침묵하는 흑백의 회화, 그리고 시간의 흔적을 새로운 시간성과 움직임으로 확장한 영상 앞에서 명확한 형상을 찾기보다 경계에 머무는 경험을 하게 됩니다. 이를 통해 우리가 지나온 시간과 지금의 풍경 너머에 있는 또 하나의 세계를 마주하게 될 것입니다.

*전시 기간: 2026.8.28 – 9.19 / 11:00-17:00 / 매주 화요일, 공휴일 휴무

*장소: 갤러리 재희 / 부산 해운대구 좌동순환로8번길 49, 2층

*오프닝 리셉션: 8월 28일(금) 오후 17:30

이번 전시 《별을 찾아가다》는 생텍쥐페리의 소설 『어린 왕자』에서 출발합니다. 강석태 작가에게

어린 왕자는 하나의 소재를 넘어, 삶의 고비마다 곁을 지켜준 동행이었습니다.

중학생 시절 마주한 어린 왕자는 위로가 되어주었고, 어두운 시간을 통과할 때는 빛이 되어주었습니다. 그렇게 시작된 대화는 2002년 첫 개인전 《별을 찾아가다》로 이어졌고, 20여 년이 흐른 지금 같은 제목으로 다시 관객 앞에 놓입니다.

강석태 작가는 어린 왕자의 ‘용기’를 부러워했습니다. 가본 적 없는 세상으로 떠날 수 있었던 그 마음입니다. 작은 별에 세상 하나뿐인 장미와, 노을을 마흔네 번이나 바라볼 수 있는 의자가 있었음에도 어린 왕자는 왜 별을 나섰을까요. 작가는 그 답을 스스로 더 단단해지기 위한 여정이었으리라 짐작합니다. 그리고 작가 스스로에게 묻습니다. 오늘 나는 그 별을 찾았을까? “이번 전시 《별을 찾아가다》는 작가가 오랫동안 품어 온 질문에 대한 용기이자 응답입니다. 순수했던 시절의 자신을 복기하며 걸어온 20여 년의 기록을 따라가다 보면, 관람객 각자의 마음속에도 잠시 떠나온 자신만의 별 하나가 떠오를 것입니다.” 

라고 전시 기획을 한 갤러리 재희 관장 백철준은 전했다.

강석태 작가는 추계예술대학교 미술대학 동양화과와 세종대학교 대학원 동양화전공을 졸업하고, 추계예술대학교 대학원에서 문화예술학 박사 학위를 받았다. 2002년 개인전 《별을 찾아가다》로 어린 왕자를 소재로 한 작업을 시작한 이래 22회의 개인전과 200여 회의 단체전에 참여해왔으며, 제22회 중앙미술대전 특선, 한·독미술협회 공모전 특별상 등을 수상했다. 가족 에세이 『어린 왕자에게 말을 걸다』, 『AI시대의 문화예술 읽기』(공저) 등을 출간했으며, 2023년부터는 강원

도 양구군과 함께 〈리틀 박수근 프로젝트〉를 기획·진행하며 지역 어린이 미술교육에도 참여하고있다. 

강석태 작가

인스타그램 @seoktae.kang

갤러리 문의

갤러리 재희 | 010-6212-7883 | seoya415@gmail.com

부산 해운대구 좌동순환로8번길 49, 2층

미국의 철학자 존 듀이(John Dewey)는 『경험으로서의 예술(Art as Experience)』에서 예술을 삶과 분리된 대상으로 보기보다, 인간과 환경이 관계를 맺고 상호작용하는 과정에서 이루어지는 하나의 경험으로 바라보았다. 작품을 둘러싼 공간과 시간, 감각과 움직임 역시 예술을 구성하는 중요한 요소가 된다. 이러한 관점에서 이번 전시는 작품을 바라보는 행위에만 머무르지 않고, 작품과 공간, 관객과 분위기가 어우러지며 만들어내는 확장된 예술 경험에 주목한다.

서유라는 책과 텍스트를 회화의 언어로 전환하여, 읽는 대상으로서의 텍스트를 보는 이미지로 확장한다. 정인지는 텍스트와 픽셀, 빛을 활용해 이미지와 공간의 관계를 탐구하고, 시각적 구조를 색과 리듬으로 변주하며 새로운 감각을 환기한다. YEKKI는 다중시점과 과감한 스케일의 왜곡을 통해 일상의 사물과 장면을 재구성하고, 현실과 상상이 교차하는 낯선 세계를 만들어낸다. 서로 다른 매체와 표현 방식을 사용하는 세 작가의 작업은 익숙한 것을 새로운 시선으로 바라보게 한다는 점에서 만난다. 관객은 작품 속에서 자신이 알고 있던 이미지와 사물을 발견하는 동시에, 작가의 시선을 통해 새롭게 전환된 또 다른 모습을 마주하게 된다.

《After Hours: 밤이 되면 달라지는 감각》은 미술과 음악, 공간과 라이프스타일이 자연스럽게 만나는 자리이다. 밤이 된 갤러리에서 작품을 보고, 음악을 듣고, 공간을 거닐며 사람들과 이야기를 나누는 시간. 익숙한 것들에 새로운 감각을 더하는 순간, 그렇게 예술은 우리의 삶 가까이에서 다시 경험된다.

캔버스 위에서 피어나는 행복의 멜로디 — 이번 전시는 슈어킴 작가의 세 번째 시리즈 전시로, 작가의 다채로운 예술적 스펙트럼을 한눈에 확인할 수 있도록 세 가지 테마의 시리즈를 옴니버스 형식으로 구성하였습니다.

Theme 1. 행운을 전하는 요정 〈럭키플라워와 꽃요정 럭키플로리〉

네 개의 꽃잎을 가진 귀여운 꽃요정 럭키플로리가 안내하는 동화 같은 행복의 세계입니다. 행운 꽃요정이 꽃밭을 뛰어다니며 행운을 나누어 준다는 동화적 상상력 가득한 작품으로, 관객들에게 시각적 유희와 정서적 행복감을 선사합니다.

Theme 2. 공간을 채우는 아름다움 〈복화시리즈〉

인테리어적 아름다움과 풍요와 번영의 의미를 세련된 감각으로 담아낸 꽃과 화병 시리즈입니다. 화려한 꽃과 화병에 귀여운 비휴들이 모여 자유롭게 노는 모습이 함께 그려집니다.

Theme 3. 전통과 현대의 유쾌한 만남 〈비휴 시리즈〉

민화와 전통 조각에서 재물과 복을 불러들인다고 전해지는 비휴를 재치와 위트를 더해 귀엽고 친숙한 캐릭터로 재해석했습니다. 일상의 행복을 함께 나누는 행운의 친구이자, 미소를 자아내는 위트 있는 위로입니다.

행운의 꽃요정부터 풍요를 담은 화병, 미소를 자아내는 귀여운 비휴까지 — 삶을 예술적 럭셔리로 채워줄 슈어킴 작가의 세 가지 행복 선물을 만나보세요.

■ 전시 개요

- 전시명: 행운을 드려요

- 작가: 슈어킴 (Sure Kim)

- 기간: 2026. 6. 18 – 8. 30 (월–일 11:00–19:00)

- 장소: 슈갤러리 (서울특별시 중구 남산동2가 24-9, 명동역 인근)

- 홈페이지: https://suegallery.com

- 인스타그램: @suegallery.23

8월 여름의 끝자락, 이주선 작가님의 워크숍 및 퍼포먼스

'서로에게 닿는 방식'이 2026. 08.30. 일요일 오후5시에 진행될 예정입니다.

​

이주선 작가의 퍼포먼스는 서로 다른 성질을 가진

몸과 재료의 직접적인 접촉에서 발생하는 변화에 주목한다.

비즈와 쇠사슬을 몸에 비비고 끌어당기며 감싸는

반복적인 행위를 통해 무게, 마찰, 진동, 소리와 같은 감각적 경험을 탐색한다.

미리 정해진 안무 대신 순간순간 몸이 느끼는 압력과 재료의 물성에 반응하며,

몸과 오브제가 서로에게 영향을 주고 변화하는 과정을 즉흥적으로 풀어낸다.

몸과 재료 사이에 형성되고 사라지는 일시적인 관계와

그 순간의 움직임을 통해 새로운 감각의 장면을 만들어낸다.

​

포퍼먼스와 아티스트 토크도 함께 열릴 예정이니, 많은 관심 부탁드립니다.

정황래 개인전

일시 2026.08.19.(수) ~30.(일)

장소 CN갤러리 (서울시 종로구 북촌로 5길 56-7)

영업시간 10:00~18:00 (월요일, 공휴일 휴무)

걸어온 산수, 그려낸 시간 - 산수 여행

이번 전시는 20여 년 전, 한여름의 산수 여행에서 시작되었다. 

오래도록 마음속에 접어 두었던 그 여정의 장소는 금강산이다. 이제 그곳은 사생의 기록과 당시의 현장 사진, 그리고 기억의 잔상으로만 남아있는, 다시는 쉽게 갈 수 없는 산수 체험의 공간이 되었다.

 2007년 여름의 초입에서 잠시의 체험은 출발하기 전부터 옛 선인들의 명작이 제작된 그곳을 볼 수 있다는 설렘에 주섬주섬 배낭을 챙기던 모습이 벌써 오래된 이야기가 되었다. 동해안을 따라 육로로 들어간 금강산은 설악산과 이웃해 산세와 산수의 분위기가 비슷해 보였지만 등산로를 따라 이동하며 마주하는 산수풍경은 눈길이 머무는 곳마다 작품의 모습으로 다가왔다. 상팔담과 구룡폭 코스에서 마주한 금강의 모습과 삼선암과 만물상 코스에서 체험한 금강은 시간을 거슬러 겸제와 단원, 그리고 소정의 발길이 머문 명소를 선인의 발길을 따라 탐방하는 체험으로 현장에서 시각과 청각을 통해 대면한 진풍경은 마치 내가 그들의 그림 속을 걷는 듯한 시간여행이 되었다. 이후 나에 그림은 많은 변화를 거쳤으며 금강산 체험에 이어 설악산과 중국의 황산, 화산, 숭산, 태항산, 태산 등을 오가며 산수의 참모습을 찾는 긴 여정은 지금도 지속되고 있다.

 가보고 싶고, 바라보고 싶으며 머물며 느낄 수 있는 곳을 다시 찾아가라고 하면 첫 번째가 나에게는 금강산이다. 옛 선인들의 주요한 산수 체험 지역이자 많은 작품이 제작되어 후세에 전해지는 명작의 산실인 금강산을 가까이에서 그리고 발길 따라 걸어보고 느낄 수 있음이 지금도 기억의 한편을 차지하고 있다.

 이제 오래전의 기억은 마음속에 잔상이 되었으며 이제야 그 마음의 잔상들을 하나씩 연결하여 화지에 기록하는 작업을 통해 이번 전시를 준비하였다.

 이번 전시는 ‘사생에서 산수로’라는 부제처럼 객관적 시각을 주관적 시각으로 전환하는 산수 표현으로 다음과 같이 구분하여 볼 수 있다.

 첫 번째는 금강산을 중심으로 하는 산수 이야기이다. 그곳을 걸으며 보고 듣고 관찰하면서 느낀 산수의 이미지를 조합하는 방식으로 금강산의 구룡폭포와 삼선암, 만물상 지역의 산수풍경을 하나의 화면(223×610cm)에 순 수묵으로 표현하였다, 일반적으로 수묵과 담채를 혼합하여 작화하는 방식에서 벗어나 기타의 색채를 배제하여 먹빛의 단색이 주는 깊이감에 중점을 두었다. 화면의 구성은 좌측면에 구룡폭을, 우측면에 귀면암과 삼선암을, 중앙부에 만물상을 배치하여 전체적으로 만물상을 주봉으로, 좌우로 펼쳐지는 무한의 공간감을 형성하고자 하였다. 세부적으로는 구룡폭을 마주하는 관폭정과 만물상을 오르며 마주하는 금강문, 삼선암 아래 가교와 등산객의 모습들이 점경으로 위치하여 인간과 자연의 동화적인 공간으로 가고 싶고 머물고 싶으며 바라볼 수 있는 산수 여행의 이상향을 나타내고자 하였다. 

 두 번째는 발길 따라 펼쳐지는 산수 체험의 지각적 인상을 그때, 그곳에서 제작하는 방식인 사생 작품들이다. 산수 여행을 다니며 그날그날 체험한 내용을 늦은 시간까지 숙소에서 기록하는 것이 일상이 되었는데 지금까지 다녀온 산수 체험의 기록이 때론 대형 작업(태항소견1. 213×545cm)으로 제작되기도 하였으며 두루마리 형식(황산도, 39×813cm 외 10여 점)으로 현장에서 보고, 듣고, 생각하는 것을 기록화한 작품들이다. 

 세 번째는 산수 현장에서 보고 듣고, 느낀 것의 함축적 조합으로 수묵의 필획에 산수의 형(形)을 단순화하는 작업이며 이는 수묵농담(水墨濃淡)의 층차와 변화, 운필(運筆)의 자유로움, 그리고 그곳에 머물고자 하는 나 자신에 모습을 통해 스스로의 자연을 추구하는 작업으로 이어지는 작품들이다.

 산수를 체험하는 것은 보는 이의 마음과 생각, 그리고 시각에 따라 늘 다양한 모습으로 다가오며 오늘과 내일이 다르듯 마주하는 산수는 언제 찾아도 새로움으로 다가온다. 

- 정황래 작가 노트 中