이종섭 개인전

일시 2026.07.24. (금) ~08.02. (일)

장소 CN갤러리 (서울시 종로구 북촌로 5길 56-7)

영업시간 10:00~18:00 (월요일, 공휴일 휴무)

개막식 2026.07.24. (금) 17:00

갤러리, 할인 매장으로 탈바꿈하다

작가 이종섭은 갤러리 전관을 가상의 브랜드 'ZOLO-B Store'의 할인 매장으로 바꾼다. 관객은 전시를 관람하는 것이 아니라 매장을 둘러본다. 마음에 드는 옷을 고르고, 사이즈를 재보고, 계산대 대신 작품 앞에 선다.

작가에게 지난 시대의 창작물은 보존되기보다 순환되어야 하는 것이다. 재고를 덜어내야 그 자리에 신상품이 들어오듯, 지난 작업을 비워내야 다음 창작이 가능해진다. 할인은 가치를 낮추는 행위가 아니라 다음 창작을 위한 공간 확보다. 옷이라는 개념과 이질적인 철과 종이를 재료로 삼아, 통상적인 '의복'의 이미지와 기능에 균열을 내면서 관객에게 '비움과 갱신'이라는 태도를 건넨다.

할인, 비움과 갱신

우리는 옷을 통해 나를 표현하는 일상적 경험을 공유한다. 본 전시는 의류 매장을 은유한 전시장이다. 관객들은 평상시 쇼핑을 하듯 둘러보면서 마음에 드는 옷을 고르고, 눈길을 끄는 것에 다가간다. 전시장에 예술을 암시하는 전문적 언어는 없다. 모두 매장에서 쓰는 일상 언어로 되어 있다. 작가의 소소한 이야기들은 옷을 만든 디자이너의 이야기가 되고, 전시작품에는 신상품과 재고상품이라는 이름이 붙어 신작과 구작이 구분된다. 재고상품은 빨리 덜어내야 그 자리에 신상품을 채울 수 있다.

Clear out the past, Make room for New.

과거의 창작물은 보존되기보다 순환되어야 한다. 할인은 가치를 낮추는 행위가 아니라 다음 창작을 위한 공간을 확보하는 수단이고, 비워진 진열대는 결핍이 아니라 다음 신상을 예고하는 가능성이다. 본 전시는 또 한 번 변신하기 위한 139일간의 리얼한 흔적들을 격식 없이 보여주는 '떨이 행사장'이 된다. 옷이라는 개념과 이질적인 철과 종이 등의 재료로 통상적인 '의복'의 이미지와 기능에 균열을 내면서, 관객에게 새로운 인식의 전환을 유도한다.

자유로운 모습, 진솔한 이야기의 현장

이종섭은 철을 산소로 자르고 용접하며, 전통 서예에서 비롯된 필력으로 평면의 선을 입체 공간으로 확장하는 공간 드로잉 방식의 조형 언어를 구현해 왔다. 무엇에도 쉽게 길들여지지 않는 캐릭터 'ZOLO-B'의 몸짓과 표정을 통해 내면의 솔직한 순간들을 드러내고, 관객에게 '원래의 나'로 돌아가 보라는 질문을 건넨다. 이번 전시는 옷의 구속에서 벗어난 개인의 등장을 다룬 2022년 <OPEN RUN 10 COLLECTION>에 이은 두 번째 시리즈로, 또 한 번의 변신을 준비하며 보낸 139일의 흔적들을 격식 없이 펼쳐 놓는다.

- 이종섭 작가 노트 中

A Gallery Transformed into a Discount Store

Artist Lee Jong Sub transforms the CN gallery into the discount outlet of a fictional brand, ZOLO-B Store. Rather than viewing an exhibition, visitors find themselves wandering through a retail space. They browse for garments, check their sizes, and instead of approaching a checkout counter, they come face to face with the artworks themselves.

For the artist, creations from the past are not meant to be preserved indefinitely but to remain in circulation. Just as clearing out old inventory makes room for new arrivals, making space by letting go of previous works is what enables the next act of creation. In this sense, a discount is not an act of devaluation but a means of securing space for what is yet to come.

Working with iron and paper—materials fundamentally at odds with the conventional notion of clothing—Lee disrupts both the familiar image and function of garments. Through this deliberate dissonance, the exhibition invites viewers to embrace an attitude of emptiness and renewal, where release becomes the condition for continual creation.

Discounting: Emptying and Renewal

We all share the everyday experience of expressing ourselves through what we wear. This exhibition presents the gallery as a metaphorical clothing store. Visitors move through the space as they would while shopping, browsing the racks, selecting garments that appeal to them, and gravitating toward what catches their eye.

The gallery is stripped of the specialized language that typically signals an art exhibition. Instead, every label and description adopts the familiar language of retail. The artist's personal anecdotes become the stories of a fashion designer, while the works themselves are categorized as New Arrivals or Clearance Items, distinguishing recent works from earlier ones.

Clearance items must be moved out to make room for new arrivals. Likewise, for the artist, making space by releasing past works is an essential condition for future creation. Here, discounting does not signify a loss of value, but an act of clearing space—an ongoing process of emptying and renewal.

Clear out the past, Make room for New.

Past creations are not meant to be preserved indefinitely, but to remain in circulation. Here, discounting is not an act of devaluation; it is a means of making room for future creation. An emptied display is not a sign of absence, but a space charged with the possibility of what is yet to arrive.

This exhibition becomes a clearance sale—an unceremonious presentation of the tangible traces accumulated over 139 days of preparing for yet another transformation. Working with materials such as iron and paper, whose materiality stands in stark contrast to the very idea of clothing, the artist fractures the familiar image and function of the garment, inviting viewers to reconsider their assumptions and experience a shift in perception.

A Space for Unfiltered Presence and Honest Stories

Lee Jong Sub has developed a sculptural language of spatial drawing, cutting and welding iron while extending the expressive force of lines—rooted in the gestural tradition of Korean calligraphy—into three-dimensional space. Through the gestures and facial expressions of ZOLO-B, a character that resists easy conformity, the artist reveals candid moments of his inner self and invites viewers to ask themselves what it means to return to their authentic selves.

This exhibition is the second installment following OPEN RUN 10 COLLECTION (2022), which explored the emergence of the individual liberated from the constraints of clothing. Here, Lee Jong Sub presents, without pretense or ceremony, the traces accumulated over 139 days spent preparing for yet another transformation.

- Exhibition text, Lee Jong Sub

소집지기 고기은입니다.

소집 갤러리의 8월 새 전시 소식 전합니다.

<전시 소개>

시니어 신진예술가 특별전 3 – 허주 작가

《보고 싶은 나의 계절에게 : 여름의 출발》

여든의 고개에 이르러서야 비로소 붓을 들었습니다. 한 평생 가족의 짐을 나누어 지며 오직 책임감 하나로 살아온 허주 작가. 그늘에 가려져 있던 어린 날의 예술적 꿈은, 3년 전 우연히 붓을 잡은 순간 거짓말처럼 타오르며 인생의 눈부신 여름을 깨웠습니다. 이번 전시는 삶의 황혼에서 만난 예술을 향한 그의 뜨거운 사랑과 깊은 내면의 목소리를 나직이 건네는 자리입니다. 

허주 작가의 캔버스는 특별합니다. 버려진 나무 자재, 손때 묻은 낡은 가구 등 세월에 밀려난 폐자재들이 그의 손길을 거쳐 세상에 하나뿐인 작품으로 다시 태어납니다. 그 위에 정성스레 얹어진 전통 수묵의 기법과 서양 추상화의 이국적인 정취는 오묘한 조화를 이루며 깊은 풍경을 만들어냅니다. 붓끝마다 배어나는 가족에 대한 애틋한 그리움과 아련한 옛집의 추억은 담담하면서도 깊은 색채로 물들어 우리에게 다가옵니다. 

흐트러짐 없는 집중력으로 마음을 다해 그려낸 그의 작품들은 단순한 삶의 회고를 넘어섭니다. 새로운 계절을 향해 걸어 나가는 한 예술가의 당찬 발걸음이자, 멈춰 서 있는 이들을 향한 응원입니다. 인생의 새로운 문을 열고 나서는 첫걸음이 관람객 한 분 한 분의 마음에 다정한 감동으로 스며들기를 바랍니다. 

<전시 정보> 

기간 : 2026년 8월 1일 ~ 8월 30일

관람 시간 : 수~일 12:00~18:00

휴관 : 매주 월, 화요일

장소 : 강릉 소집 갤러리 

관람료 : 무료

*전시 예고편

https://www.youtube.com/shorts/sejT8ugnPIA

https://www.youtube.com/shorts/DFl5Z-LtHZQ

*전시 더 알아보기 

인스타그램 @storysozip

블로그 https://blog.naver.com/storysozip

《Theme Thanatos & Donguri》

○ 관람 안내

전시 일정: 26.07.20(월) ~ 26.07.25(토)

전시 장소: 인천광역시 계양구 경명대로 1090, 계산메가타운 206호

운영 시간: 10:30am ~ 6:00pm (일요일 휴무)

○ 전시 개요

“우리의 마음, 삶, 그리고 자연은 모두 부서진 조각들로 이루어져 있으며, 그 결함들이 모여 비로소 온전한 전체가 된다.”

형태를 잃기 쉬운 초콜릿 속에서 단단한 무의식을 캐내는 카빙의 시간, 가장 달콤한 소재로 가장 깊은 무의식을 조각합니다.

글로벌 아트 플랫폼 'Singulart' 등록 작가이자, 'Visual Art Journal' 매거진과 뉴욕 타임스퀘어 빌보드에 소개되며 도쿄·뉴욕 'The Holy Art Gallery' 등 국제 무대에서 주목받고 있는 안현주 작가. 현재 호주 멜버른을 기반으로 활동하는 작가는, 형태 없는 초콜릿 덩어리를 직접 깎아내며 파편화된 자아를 시각화하는 작업을 이어오고 있습니다.

가장 달콤하고 연약한 재료로 빚어낸 영원한 내면의 조각. 초콜릿의 물성을 통해 내면의 본능과 상처를 대변하는 〈Theme Thanatos〉 그리고 그와 대비되는 색채로 인간의 감정을 미니멀하게 포착한 디지털 드로잉 연작 〈Donguri〉가 함께 호흡합니다.

우리 안에 공존하는 '심리적 양가성(Psychological Ambivalence)'을 감각적으로 펼쳐내는 이번 전시를 통해, 산산이 부서진 조각들이 마침내 하나의 온전한 세계로 완성되는 순간을 직접 경험해 보시기 바랍니다.

전시는 7월 25일(토)까지 진행되며, 별도의 예약이나 관람료 없이 자유롭게 관람하실 수 있습니다.

[장우석 작가 약력]

전북대학교 한국화 학사/석사/박사 졸업

개인전
2025 Steal cut ‘타인의 시선’ 展 - 창작스튜디오131 작은미술관, 울산
2024 Steal cut ‘진실의 탐닉’ 展 - JMA 서울분관, 서울
2023 Steal cut ‘암묵적 공존’ 展 - 우진문화공간, 전주

그룹전
2025 전주-멜버른 예술인 교류 프로젝트 모종의 모임 “보이지 않는 연결, 상상의 별빛”, - 팔복예술공장 이팝나무홀 모모SeSe 전시장, 전주
2024 세계혁명예술 국제포럼: 동학농민혁명 130주년 기념전 - 동학기념관 파랑새관, 전주
2023 30회 4.3 미술제 경계의 호위 part2 - 산지천갤러리, 제주

레지던시
2025 고래문화재단 창작스튜디오 131, 10기 입주작가
2024 팔복예술공장 창작스튜디오, 7기 입주작가

수상
2024 천인갈채상, 사)천년전주사랑모임, 전주
2023 우진청년미술상, 우진문화재단, 전주

인스타그램: @teabag1024

청주 갤러리원 B관 조개더미의 비밀

갤러리 원 청주점에서 조개더미의 비밀이 전시 진행됩니다.

07월 22일부터 08월 20일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[전시 소개]

전시를 열며 약 5천 년 전, 오이도는 바다와 갯벌이 펼쳐진 작은 섬이었습니다. 사람들은 굴과 조개를 채집하며 살아갔고, 그 삶의 흔적은 오랜 시간 쌓여 ‘패총’으로 남았습니다.

《조개더미의 비밀 - 오이도 신석기 이야기》는 2026 공·사립·대학 박물관 ‘K-뮤지엄 지역 순회 전시 및 투어 지원사업’의 일환으로 진행되는 순회전시입니다.

아주대학교 도구박물관과 시흥오이도박물관이 함께 기획한 이번 전시는 시흥, 청주, 태안을 순회하며 오이도 패총에 담긴 신석기 사람들의 삶과 해안 문화를 지역과 함께 나누고자 마련되었습니다.

조개껍데기와 토기 조각, 생활 도구 속에 남겨진 오래된 흔적을 따라가며 과거 사람들의 삶과 오늘의 우리가 어떻게 이어져 있는지 함께 만나보시기 바랍니다.

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.07.22 (수) ~ 2026.08.20 (목)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju_gallery_one) / blog.naver.com/gallery_one​ 

청주 갤러리원 A관 이정현 초대개인전

갤러리 원 청주점에서 이정현 초대개인전이 전시 진행됩니다.

07월 24일부터 08월 10일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[이정현 작가노트]

이정현 작가는 음악을 사랑하는 예술가이다. 어린 시절부터 음악과 함께 성장하며 첼로를 연주해 왔고, 자신만의 독창적인 방식으로 음악을 표현하는 '그림악보' 작업을 이어오고 있다.

정현 작가의 작업은 다양한 음악적 경험과 감성에서 출발한다. 클래식 음악은 물론 여러 장르의 음악을 들으며 느낀 리듬과 선율, 감정의 흐름을 자신만의 시각 언어로 풀어내고 있다. 음악을 듣는 순간 떠오르는 색채와 이미지들은 자연스럽게 그림이 되어 캔버스 위에 펼쳐진다.

정현 작가에게 음악은 단순히 소리로만 존재하지 않는다. 선율은 색이 되고, 리듬은 선이 되며, 감정은 하나의 이미지가 된다. 작가는 음악을 듣고 느낀 감정과 움직임을 그림으로 표현하며, 음악과 미술의 경계를 넘나드는 자신만의 예술 세계를 만들어 왔다.

연필을 잡을 수 있었던 어린 시절부터 시작된 그림악보 작업은 현재까지 꾸준히 이어지고 있다. 수많은 작품 속에는 작가가 사랑하는 음악과 삶의 이야기, 그리고 세상을 바라보는 따뜻한 시선이 담겨 있다. 이번 개인전에는 다양한 음악을 바탕으로 한 작품들과 함께 일부 모차르트 음악에서 영감을 받은 작업들도 소개된다. 모차르트의 음악은 작가에게 중요한 영감의 원천 중 하나로, 그의 작품 세계 속에서 특별한 울림을 전해준다.

이번 전시는 음악을 듣는 또 하나의 방법을 제안한다. 관람객들은 그림악보를 통해 눈으로 음악을 보고, 마음으로 소리를 상상하며, 예술이 전하는 새로운 소통의 가능성을 만나게 될 것이다. 또한 다양한 음악이 어떻게 그림이 되고, 감동이 되어 우리 곁에 머무는지 경험하는 특별한 시간이 될 것이다.

정현 작가는 오늘도 음악을 그리고 있다. 그의 그림악보는 음악과 삶이 만나는 순간들을 담아내며, 관람객들에게 새로운 감각의 경험을 선사하고 있다.

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.07.24 (금) ~ 2026.08.10 (월)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju\_gallery\_one) / blog.naver.com/gallery\_one​

“나는 자유로운 생각과 감정, 느낌 들을 색과 선, 형태로 표현해보고 싶다. 예쁜 색, 선, 형태에 매료되어 그 위에 나의 이야기들을 실으려고 캔버스 위에서 유희를 하는 것이다. 나는 붓을 많이 사용하지 않고 자연스럽게 부어서 응고된 색감에 종이, 특히 한지와 양지를 접목시켜 그들끼리의 이야기를 하도록 한다. 인위적이지 않고 그들과의 생각 위에 나의 얘기를 해나가곤 한다. 나는 선택을 중요하게 생각한다. 세상의 많은 아름다움 중에서의 선택. 여러 가지 예쁘고 슬픈 얘기 가운데서의 선택. 이런 선택의 조화를 바라보고 또 생각해보고 이들과 함께 기쁨을 감사를 향유하는 것이다. 이 많은 향유의 유희들을 여러분과 함께 얘기하고 싶은 것이다.”

…

이여몽, 작업노트 中

이여몽, Story, 130.3x130.3(100S),아크릴_한지_양지,2026 | 이여몽, Story, 130.3x130.3(100S),아크릴_한지_양지,2026 

© Lee Yo mong / Courtesy of Gallery J.ONE

© Lee Yo mong / Courtesy of Gallery J.ONE

작가는 자유로운 생각과 감정을 색·선·형태로 표현하고자 하며, 붓의 제스처 대신 ‘부어지고 응고되는 색’이 스스로 형태를 만들도록 자율성을 부여합니다. 성질이 다른 재료를 접목시키는 일 또한 단순한 재료 실험이 아니라, 화면 속 요소들이 서로의 언어로 대화하도록 자리를 마련하는 행위입니다.

물감은 떨어지고 번지며 굳고, 종이는 스며들거나 견디며 화면의 결을 바꿉니다. 작가는 그 과정에서 재현과 모방의 한계를 넘어 조형 요소들이 스스로 어우러지고 드러나도록 선택하며, 작업실에서 우연히 발견되는 물감 덩어리나 사소한 오브제까지도 귀하게 화면으로 불러들입니다. 작가가 작업에서 특히 중요하게 여긴다고 말하는 ‘선택’은, 바로 이 지점에서 더욱 또렷해집니다. 완성된 결론보다 ‘만들어지는 삶’의 움직임을 믿기 때문입니다.

추상이 때로 소통의 직접성이 약하다는 평가를 받기도 하지만, 이여몽의 추상은 생활 경험에서 길어 올린 감흥과 표현 충동으로 음악이나 소설처럼 서사를 엮어갑니다. 무엇을 선택할 것인가, 수많은 아름다움과 슬픔 가운데 무엇을 화면으로 들일 것인가, 그 선택은 삶에 대한 감사와 기쁨을 향유하는 마음으로 귀결됩니다. 과장 없이 순수하고 솔직한 화면, 즉흥성과 지속성이 조화를 이루는 과정, 시류에 편승하지 않는 조형 언어가 관람자 여러분에게 따뜻한 울림으로 다가가길 바랍니다.

갤러리 제이원 서울

© Lee Yo mong / Courtesy of Gallery J.ONE

Exhibition: 진경(眞景): 세상의 모든 풍경

Duration: 2026. 04. 23 — 05. 25

Opening Reception: 2026. 04. 23 (목) 오후 5시

Venue: GALLERY J. ONE (서울 종로구 팔판길 13)

© Lee Wonhee / Gallery J.ONE

© Lee Wonhee / Gallery J.ONE
 

'이원희의 풍경을 바라보는 일'

http://www.galleryjone.com 

전시를 준비하며 이원희 작가의 그림을 오래 바라보고 있으면, 문득 마음이 조용해지는 순간이 있습니다. 

처음에는 화면 안의 산세와 물길, 바위와 숲의 표정이 눈에 들어오지만, 시간이 조금 지나면 그보다 더 깊은 어떤 기운이 천천히 전해져 옵니다. 그것은 단순히 자연을 잘 그려낸 회화적 성취만으로 설명되기 어려운, 오랜 시간 자연을 마주해온 사람만이 가질 수 있는 태도와 시선일 것입니다.

이원희의 풍경은 자연을 닮은 그림이면서도, 결국 자연을 대하는 한 인간의 마음을 보여줍니다. 작가는 오랫동안 전국의 산하를 직접 걸으며 자연의 결을 눈과 몸으로 익혀왔고, 그렇게 마주한 시간들을 화면 위에 차곡차곡 쌓아왔습니다. 그래서 그의 그림은 눈앞의 경치를 옮겨놓은 이미지라기보다, 한 장소와 오래 머물며 느꼈던 공기와 빛, 침묵과 숨결까지 함께 품고 있는 세계처럼 다가옵니다.

이번 전시의 제목인 <진경: 세상의 모든 풍경>은 우리 회화사에서 중요한 의미를 지닌 ‘진경’이라는 말에서 출발합니다. 

하지만 이 전시에서 말하는 진경은 단지 실제 풍경을 사실적으로 옮겨 그린다는 뜻에 머무르지 않습니다. 오히려 그것은 눈으로 본 자연을 넘어, 자연 안에서 느끼고 받아들인 존재의 깊이까지 담아내려는 마음에 가깝습니다. 이원희 작가의 그림이 특별하게 느껴지는 이유도 바로 그 지점에 있다고 생각합니다. 그의 풍경은 정확하고 치밀하지만 차갑지 않고, 깊고 장엄하지만 결코 과장되지 않습니다. 화면에는 늘 절제와 따뜻함이 함께 머물러 있습니다.

저는 이원희 작가의 풍경 앞에 설 때마다, 우리가 얼마나 오랫동안 ‘바라보는 일’ 자체를 잊고 지냈는지를 새삼 떠올리게 됩니다. 너무 많은 이미지와 장면들이 빠르게 지나가는 시대 안에서, 우리는 풍경조차 잠시 소비하고 지나쳐버리기 쉽습니다. 

그러나 그의 그림은 그렇게 서둘러 지나가는 시선을 붙잡아둡니다. 조금 더 천천히 보라고, 조금 더 오래 머물러보라고, 그리고 그 안에서 각자의 마음이 반응하는 소리를 들어보라고 말하는 듯합니다.

그의 붓질은 때로는 묵직하게 쌓이며 시간의 두께를 보여주고, 때로는 바람결처럼 가볍고 섬세하게 화면을 스쳐갑니다. 

그렇게 형성된 풍경은 고정된 장면이라기보다 살아 있는 감각에 가깝습니다. 빛은 머물지 않고 흐르고, 산은 침묵 속에서도 자신의 존재를 드러내며, 물과 숲은 화면 안에서 조용히 호흡합니다. 그 앞에 서 있는 우리는 어느새 풍경을 ‘본다’기보다, 풍경 안에 잠시 마음을 놓아두게 됩니다.

이번 전시를 준비하며 저는 이 풍경들이 단지 아름다운 자연의 모습만을 보여주는 것이 아니라고 느꼈습니다. 

그것은 오히려 우리가 잊고 지냈던 평온, 쉽게 지나쳐버렸던 침묵, 그리고 마음 깊은 곳에서 오래 기다리고 있던 고요를 다시 떠올리게 합니다. 어쩌면 좋은 풍경이란 바깥의 장면을 보여주는 것이 아니라, 그 풍경을 바라보는 사람 안에 또 하나의 풍경을 조용히 일깨우는 것인지도 모르겠습니다.

갤러리 제이원에서 선보이는 이번 전시가 각자의 걸음을 잠시 늦추고, 자연을 바라보는 마음과 자신의 내면을 함께 돌아보는 시간이 되기를 바랍니다. 이원희의 풍경이 전하는 깊고도 따뜻한 울림이, 이곳을 찾는 모든 분들의 마음속에 오래 남기를 바랍니다.

2026.04.23

Jingyeong: All the Landscapes of the World

As I prepare this exhibition and spend time looking closely at Lee Wonhee’s paintings, there are moments when my mind suddenly grows quiet. At first, what comes into view are the mountain ridges, flowing water, rocks, and the presence of forests within the frame. Yet, as time passes, something deeper begins to emerge, slowly making itself felt. It is difficult to account for this solely in terms of painterly accomplishment or the skill with which nature is rendered. Rather, it seems to arise from an attitude and way of seeing that only someone who has long lived in close encounter with nature could possess.

Lee Wonhee’s landscapes resemble nature, yet what they ultimately reveal is the mind of a person in relation to it. For many years, the artist has walked the mountains and landscapes of Korea, learning the textures of nature with both eye and body, and carefully building those encounters, layer by layer, onto the canvas. For this reason, his paintings feel less like images that simply reproduce the scenery before one’s eyes than like worlds that hold the air, light, silence, and breath he experienced while lingering in a particular place.

The title of this exhibition, Jingyeong: All the Landscapes of the World, begins with the term jingyeong, a word of particular significance in the history of Korean painting. Yet the jingyeong invoked here does not simply refer to the realistic rendering of an actual landscape. Rather, it points to an attempt to convey not only the natural world as seen by the eye, but also the depth of being felt and received within it. I believe this is precisely what makes Lee Wonhee’s paintings so distinctive. His landscapes are precise and meticulous, yet never cold; profound and monumental, yet never overstated. Restraint and warmth always reside together within his paintings.

Whenever I stand before Lee Wonhee’s landscapes, I am reminded of how long we have neglected the very act of looking. In an age when countless images and scenes pass by at great speed, even landscapes are easily consumed and just as easily left behind. Yet his paintings arrest that hurried gaze. They seem to ask us to look more slowly, to remain a little longer, and to listen to the stirrings of our own hearts in response.

At times, his brushwork accumulates with weight, revealing the density of time; at others, it moves lightly and delicately across the surface like a passing current of wind. The landscapes formed in this way feel less like fixed scenes than like living sensations. Light does not remain still, but flows; mountains assert their presence even in silence; water and forests breathe quietly within the frame. Standing before them, we find ourselves no longer simply looking at a landscape, but resting our minds within it for a moment.

As I prepared this exhibition, I felt that these landscapes do not merely present beautiful views of nature. Rather, they recall the peace we had forgotten, the silence we have too easily passed by, and the stillness that has long been waiting deep within the heart. Perhaps a true landscape is not one that simply shows an external scene, but one that quietly awakens another landscape within the person who beholds it.

I hope that this exhibition at Gallery J.ONE offers each visitor a moment to slow their pace and reflect both on the mind with which we look at nature and on their own inner world. May the deep and gentle resonance conveyed by Lee Wonhee’s landscapes remain for a long time in the hearts of all who visit.

http://www.galleryjone.com 

2026.07.10 ~ 07.29

공성환 개인전 《파문》이 갤러리 제이원 서울지점에서 열린다. 갤러리 제이원이 서울에 삼청동에 진출한 이후 9번째로 맞이하는 전시이다.

공성환의 화면에서 물은 맑고 투명하게 드러나지만, 결코 완전히 붙잡을 수 없는 대상이다. 물속의 돌은 선명하게 모습을 드러내면서도 수면의 흔들림에 따라 달리 보이고, 파문은 생성되는 순간부터 서서히 사라져간다. 물이 표현의 대상이라는 것은 단순한 재현하는 기술에 머물지 않는다. 빛과 바람, 주변 환경에 따라 시시각각 달라지는 물의 모습을 포착하기 위해서는 오랜 관찰과 기다림이 필요하다. 공성환은 그 사이의 떨림, 선명함과 흐릿함이 맞닿는 순간을 섬세하게 붙잡는다. 그의 그림은 사실적 묘사라기 보다, 그의 감각과 사유를 거쳐 나온 추상이다. 수면 위에 내려앉은 빛은 잘게 떨리고, 물결은 보이지 않는 숨결처럼 번져나가며, 투명한 깊이 속의 형상들은 드러나는 듯 다시 멀어진다. 작가는 이 미세한 변화의 순간들을 오래 바라보며, 자연의 풍경을 하나의 감각으로 옮겨낸다.

공성환 작가가 말하는 ‘추상’은 형상이 사라진다는 의미의 추상이 아니라, 눈앞의 물을 오래 바라보는 과정에서 현실의 구체성이 감각과 리듬, 빛과 떨림으로 전환되는 상태에 가깝다. 공성환에게 물을 그린다는 것은 대상을 설명하는 일이 아니라, 눈앞의 세계가 감각으로 해체되고 다시 회화로 응집되는 순간을 붙잡는 일이다. 그의 화면에서 추상은 형상의 부재가 아니라, 형상이 흔들리며 다른 감각으로 넘어가는 과정이다. 그러므로 공성환의 물은 사실적으로 보이지만, 그 안에서 조용히 추상으로 흐른다. 그것은 보이는 것의 끝에서 시작되는 또 하나의 풍경이며, 물의 표면을 빌려 드러나는 내면의 파문이다.

About

In KONG Sung hwan’s paintings, water appears clear and transparent, yet it can never be fully grasped. Stones beneath the surface emerge distinctly, only to shift with the movement of the water, while ripples begin to fade from the very moment they are formed. To paint water, then, is not merely to reproduce what is seen. Because water changes from moment to moment according to light, wind, and its surroundings, capturing it requires sustained observation and patient attention. KONG delicately holds the fleeting moment where clarity and blur meet.

His paintings are less realistic depictions than abstractions shaped through sensation and thought. Light resting on the surface of the water trembles in fine fragments; waves spread like an invisible breath; and forms within the transparent depth seem to appear, then slowly recede. By observing these subtle transformations, the artist translates natural scenery into a field of sensation.

The “abstraction” KONG Sung hwan speaks of is not one in which form disappears. Rather, it is a state in which the concrete reality before the eye is transformed, through the act of looking at water, into sensation, rhythm, light, and vibration. For KONG, painting water is not about explaining an object, but about capturing the moment when the visible world dissolves into sensation and gathers again as painting. In his work, abstraction is not the absence of form, but the process by which form trembles, shifts, and moves into another realm of perception. Thus, KONG Sung hwan’s water may appear realistic, yet within it, it quietly flows toward abstraction. It is another landscape that begins at the edge of the visible—an inner ripple revealed through the surface of water.

Artist Biography

공성환 KONG, SUNG-HWAN (1955~)

영남대학교 미술대학 회화과 졸업

개인작품전23회

아트부산(부산 백스코 2017~2021)

아트 센트럴(홍콩 하버프론트 2017)

아트 런던(올림피아홀 런던 2016, 17)

비엔나 컨텐퍼러리(막스홀 비엔나 2015,16,17)

상해 아트페어(상해마트,컨벤션 센터 2014,15,16,17)

아트 취리히 2016, 아트헴튼 뉴욕 2016

싱가폴 아트페어(선택시티 싱가폴)

K.I.A.F(코엑스 서울)

화랑미술제(코엑스 서울)

대구 아트(엑스코 대구)

서울시립미술관 대외사업 머물다 전(강동아트센터)

문화 본 일률전 (국립 경주 솔거 미술관)

한국 구상 대제전 (예술의 전당 한가람 미술관)

하늘, 땅, 사람전(서울시립미술관)

진경의 맥 전(포항시립 미술관)

구상 1번지 영남구상의 진수전(포스코 갤러리)

대한민국 미술대전 심사위원 역임 (서양화 분과)

대구광역시 미술대전 심사위원 역임 (서양화 분과)

울산광역시 미술대전 심사위원 역임 서양화분과

정수미술대전, 한마음 미술대전, 고금 미술회 심사위원 역임

작품소장처 : 국립현대미술관 미술은행, 서울시립미술관, 대구시립미술관, 한원미술관, 대구문예회관, 대구시청, 경북도청, 

대구은행, (주)범삼공, (주)삼원화학, 세영법무법인, ㈜수양 등

*전시 제목: 재료에서 존재로

*전시 기간: 2026. 07. 25 - 08. 23 / 오전 11시-오후 5시 / 매주 화요일, 공휴일 휴무

*오프닝 리셉션 : 2026.07.25 / 오후 4시

*장소: 갤러리 재희 / 부산 해운대구 좌동순환로8번길 49, 2층

황혼 속에 기어오는 존재가 있다. 인류 이후의 시대에 이들의 그림자가 드리워진다. 그림자가 땅에 서서히 닿는 시간은 어둠을 향하기 전에 고한다. 황혼은 단일한 시간축을 세우지 않는다. 그 대신 흐름과 연쇄를 잔여의 그림자에 펼쳐놓는다. 수직적인 표현 대신 수평적인 표현은 내게로 기어오는 것이다. 전시장에 잠시 정박된 시간과 공간은 작품을 통해서 풀(리)고 묶(이)고 엮(이)기를 반복한다. 어둠이 찾아오기 전에 황혼이 있었고, 황혼이 있기에 우리는 어둠을 풍요롭게 생각할 수 있다. 깊은 바다에서 움직이던 흐름들. 남겨진 시간과 남은 시간—세상의 종말로부터, 우리가 더 살아간다면. 우리가 경험하는 시간이 종말과 얼마 멀지 않다면, 우리는 가까이서 닿아 있는 시간을 먼저 생각해 봐야 한다. 김선종이 생각하는 ‘초개체’는 이미 인류 이후의 세계가 가까이서 시작되고 있는 시선을 가지고 온다—멀리 떨어진 시공간에 있는 이야기가 아니라, 가까운 곳에서 이미 시작되고 있는 징조로써. 우리가 매번 소환하는 위기의 시나리오가 있다면, 《황혼 속 기어오는 자》에 미세하게나마 감지되는 진동은 상상된 닫힌 결말을 비틀어 우리의 가까운 과제로 삼는다. -서문 『남겨진/남은 시간: 풀(리)고 묶(이)고 엮(이)기』 중

기간 : 2026. 8. 8 (토) - 8. 22 (토)

* 오프닝 : 8. 8 (토) 16시

시간 : 10:00 -18:00  

*입장마감 17:30 | 월요일 휴관

장소 : 고색뉴지엄 (경기 수원시 권선구 산업로 85)

B1 기획전시실 @gosaeknew

https://gosaeknew.kr 

서문 : 콘노 유키 @k40_hermione

포스터 디자인 : 신다빈 @sinmyo.design

도움 주신 분들 : 최지혜, 김훈겸

사진 기록 : 송광찬 @poisonsong_studio

주최 | 주관 : 김선종 @seonjong_kim

후원 : 수원특례시, 수원문화재단 @swcf_official

*수원문화재단 2026 유망예술가 지원사업 선정 (김선종)

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*평일 차량 방문 시 전시장 앞 길에 주차 가능 

*주말 차량 방문 시 고색뉴지엄 주차장 이용 가능

*대중교통 이용 시 들바람공원 정류장에서 하차하시면 됩니다. (고색뉴지엄까지 도보 5분 소요)

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Kim Seonjong Solo Exhibition 

《 The Creeper in the Dusk 》

Aug 8 -22, 2026. Gosaek Newseum

10:00 - 18:00, Tue. - Sun.

•Opening | Aug 8, 16:00

서울 인사동 제주갤러리입니다.

사진작가 박정근 개인전 《404: Page Not Found》가 오는 7월 23일부터 8월 10일까지 제주갤러리에서 개최됩니다.

전시 제목 《404: Page Not Found》는 사용자가 요청한 페이지가 존재하지 않거나 접근할 수 없는 상태를 의미하는 웹 오류 코드에서 착안했습니다.

이는 오랜 시간 존재했지만 쉽게 말해질 수 없었던 제주4·3의 역사와 기억을 은유적으로 담아낸 제목입니다.

박정근 작가는 오랫동안 제주의 사람과 자연, 그리고 역사를 깊은 애정으로 기록해 왔습니다.

이번 전시에서는 제주 사람들을 만나며 평범한 할머니와 할아버지, 한때 꿈 많던 청춘이었던 그들의 삶의 흔적을 따라가고, 이를 통해 제주4·3의 역사와 그 아픔을 함께 기억하고자 합니다.

전시에서는 〈사소한 위로_오태경〉, 〈희권, 영애 이야기〉, 〈세상에 없는 나무〉, 〈바다, 엇갈림〉, 〈할머니 무슨 과일 좋아하세요?〉 등 연작을 대거 선보입니다.

많은 관심과 방문 부탁드립니다.

감사합니다.

제주갤러리 드림

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2026 제주갤러리 공모 선정 - 박정근 개인전 《404: Page Not Found》

작 가: 박정근

전시기간: 2026. 7. 23. (목) ~ 2026. 8. 10. (월), (매주 화요일 휴관)

관람시간: 10:00~19:00 (입장마감: 18:30)

전시장소: 서울시 종로구 인사동 41-1 인사아트센터 B1, 제주갤러리

※오픈식: 7월 23일 목요일 오후 5시, 제주갤러리

작가 ㅣ 김나정

전시 기간 ㅣ 2026.7.15.(Wed)- 7.26.(Sun)

소개 ㅣ우리는 어떤 장면을 오래 바라볼 때, 눈앞의 형상보다 그 너머에 남아 있는 기운을 먼저 마주하게 된다. 분명 존재하지만 쉽게 붙잡히지 않는 흔적, 시간이 지나도 사라지지 않는 감각은 기억과 현재를 조용히 겹쳐 놓는다. 이번 기획전은 그러한 미묘한 순간들을 따라가며, 눈에 보이는 것과 보이지 않는 것 사이의 간극을 탐색한다.

김나정 작가는 하나의 완결된 이미지를 제시하기보다 여러 겹의 표면과 희미한 흔적을 통해 끊임없이 변화하는 풍경을 만들어낸다. 투명한 섬유 위를 스치는 선과 바느질, 겹쳐진 이미지들은 서로를 가리지 않고 스며들며 깊이를 형성한다. 가까이에서는 섬세한 물성과 손의 움직임이 드러나고, 한 걸음 떨어져 바라볼 때에는 서로 다른 층위가 하나의 호흡처럼 이어진다.

작가에게 섬유는 단순한 매체가 아니라 시간과 감각을 품는 장소이다. 오간자의 투명한 결은 빛과 시선에 따라 끊임없이 달라지고, 겹쳐진 표면은 하나의 정답 대신 다양한 해석의 가능성을 열어 둔다. 작품 앞에서 관람자는 선명함보다 흐릿함 속에서 더 많은 것을 발견하게 되며, 그 과정에서 자신의 기억과 경험 또한 자연스럽게 화면 위에 포개진다.

모든 변화는 또 다른 모습으로 이어지고, 남겨진 흔적은 새로운 감각을 만들어낸다. 작가는 사라짐을 상실이나 끝으로 바라보지 않는다.  완전히 붙잡을 수도, 완전히 잃어버릴 수도 없는 순간들은 서로를 비추며 현재를 더욱 깊고 풍부하게 만든다.

하랑갤러리 ㅣ종로구 자하문로 38길 45, 1F (환기미술관 맞은편)

관람시간 ㅣ 11 am- 5 pm (월,화 휴관, 무료관람)

문의 ㅣ(02)365-9545, galleryharang@gmail.com, Instagram @galleryharang

작품 문의 ㅣ e-mail, DM, 또는 링크트리에서 신청 부탁 드립니다.  https://linktr.ee/galleryharang

Oval Bloom, 90.9x72.7cm, Hand Stitch and Mixed media, 2026

Lingering Trace, 72.7x60.6cm, Hand Stitch and Mixed media, 2026

Fading Petals, 90.9x60.6cm, Hand Stitch and Mixed media, 2026

작가노트 ㅣ나에게 ‘사라지는 영원’은 도달해야 할 어떤 초월적 시간이나 변하지 않는 상태가 아니다. 그것은 같은 자리를 맴도는 몸의 움직임 속에서, 조금씩 닳고 어긋나며 생성되는 시간의 감각이다. 같은 동선을 걷고, 같은 손짓으로 선을 긋고, 표면 위에 레이어를 쌓는 동안 화면은 흐려지고 형태는 해체된다. 그러나 그 흐릿함 속에서도 완전히 사라지지 않는 잔상과 미세한 떨림이 남는다. 나는 그 상태를 ‘사라지는 영원’이라 부른다. 

이 작업에서 반복은 동일한 것의 재현이 아니라, 매번 다른 차이를 만들어 내는 생성의 리듬이다. 꽃의 형상은 되돌아오지만 같은 모습으로 머물지 않고, 선은 같은 자리를 지나면서도 흔들리고 어긋난다. 레이어는 서로를 덮으면서도 완전히 지우지 못한 채 잔상으로 남아 공존한다. 이러한 반복은 고정된 형태를 유지하기보다, 끊임없이 사라지고 변형되며 이어지는 시간의 흐름을 드러낸다. 

‘사라지는 영원’은 소멸과 영속이 대립하지 않는 지점에서 발생한다. 사라짐은 끝이 아니라 새로운 형상으로 이동하는 과정이며, 영원은 그 운동 속에서 감지된다. 완전히 남아 있지도, 완전히 사라지지도 못한 채 중간 어딘가에 머무는 상태, 그 불확정적인 시간의 층위가 이 작업의 중심이다.

작업 속 레이어는 세 가지 시간의 감각을 동시에 드러낸다. 반복되는 손의 움직임과 바느질, 선 긋기는 몸에 각인된 ‘습관의 시간’을 형성한다. 겹쳐진 표면 아래 희미하게 남은 흔적들은 현재와 함께 존재하는 ‘기억의 시간’을 만든다. 그리고 매번 다른 방식으로 해체되고 구성되는 형상들은 차이를 반복하는 ‘영원의 시간’을 가리킨다.

섬유는 이러한 시간의 감각이 머무는 물질적 조건이다. 오간자의 얇고 투명한 표면은 겹쳐질수록 더 불분명해지고, 선과 이미지들은 층 사이에서 번진다. 이때 섬유는 단순한 재료가 아니라, 몸과 세계 사이에 놓인 제2의 피부처럼 작동한다. 쉽게 닳고 주름지며 흔적을 남기지만 완전히 제거될 수 없는 감각의 층으로서, 영원은 이 피부 위에 붙어 있다.

이 전시의 시간은 직선적으로 흐르지 않는다. 시작과 끝을 향해 나아가기보다, 같은 자리를 반복하며 어긋나는 루프를 형성한다. 그 속에서 형상은 희미해지고, 의미는 고정되지 않은 채 분산된다. 영원은 하나의 중심으로 수렴하지 않고, 서로 다른 레이어와 흔적 사이에서 발생하는 미세한 차이들의 집합으로 흩어진다.

결국 ‘사라지는 영원’은 삶과 죽음, 존재와 소멸 사이에 길게 놓인 중간의 시간이다. 그것은 저편의 세계가 아니라, 지금 여기에서 사라지면서도 완전히 사라지지 않는 현재의 두꺼운 층위다. 나는 그 중간 지대에서 발생하는 미세한 떨림을 따라가며, 반복 속에서 드러나는 영원의 얼굴을 더듬는다.

* 모든 작품 이미지의 저작권은 작가에게 있습니다. 사진 제공 : 하랑갤러리

이번 전시는 박경희 작가님의 개인전

<기억의 레이어, 골목이 품은 푸른 숨의 방>을 소개합니다.

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이번 전시에서 박경희 작가님은 우리에게 익숙한 '골목'을 단순한 풍경이 아닌,

시간과 기억이 켜켜이 쌓인 삶의 공간으로 바라봅니다.

작가에게 골목은 집 밖에서 처음 마주하는 세상이자,

수많은 사람들의 흔적과 이야기가 축적된 거대한 기억의 저장소입니다.

이번 전시가 관람객 여러분께 익숙한 풍경 속에서 새로운 시선을 발견하는 시간이 되기를 바랍니다.

 예술의 공급과 소비는 철학적 담론 이전에, 인간이 삶을 영위하며 마주하는 가장 솔직한 결핍과 맞닿아 있다. 대중이 일상 공간의 문턱이나 벽 한편에 특정 상징을 담은 시각 매체를 자발적으로 들여놓는 현상은 미신이나 취향의 문제를 넘어선다. 그것은 치열한 각자도생의 삶 속에서 ‘무사히 오늘을 건너고 싶다’는, 그리고 ‘내일은 조금 더 풍요롭기를 바란다’는 안녕(安寧)에 대한 본질적인 기원의 흔적이다. 과거 우리 선조들이 민화를 통해 복을 구하고 애환을 달랬던 것처럼, 오늘날의 현대인 역시 여전히 삶을 지탱해 줄 따뜻한 위로와 긍정적인 에너지를 필요로 한다.

 이번 전시는 역사적 도상의 추적을 넘어, ‘인간 개개인의 소망은 과연 어디에서 발원하는가’에 대한 질문에서 출발한다. 인간은 존재론적 불안을 마주하며, 삶의 과정에서 자신만의 안전지대(Safe Zone)를 구축하려는 본능을 지닌다. 본 작업은 바로 이 지점, 외부의 불안을 무력화하기 위한 인간의 보편적인 기원과 방어 기제를 결합하여 동시대의 시각 언어로 풀어내려는 시도이다.

 화면 속에는 전통적인 벽사기복의 도상인 호랑이와 모란, 토끼, 복숭아, 십장생들을 활용하여 오랜 시간 검증되어 온 행운과 수호의 상징들이 적극적으로 소환된다. 과거 무섭고 엄숙했던 영수(靈獸)들은 커다랗고 맑은 눈망울을 지닌 위트 있는 캐릭터로 전치되어 감상자의 경계심을 허문다.

 부귀의 모란을 나르고 장수의 불로초를 재배하는 이 다정한 수호신들은, 현대인의 불안을 치유하기 위해 시각적으로 만들어진 애착 대상이다. 이번 전시가 관람객 저마다의 안전지대를 확인하고, 삶을 지탱할 따뜻한 위로와 에너지를 얻어가는 자리가 되기를 바란다.

박경희 개인전 《생동하는 숨》

《재에서 생으로: 다시 쓰는 호흡》은 의성 산불 이후의 풍경과 시간을 예술의 언어로 다시 사유하는 2026년 안계미술관 릴레이 전시 프로젝트입니다. 이번 전시는 재난의 흔적을 단순히 기록하거나 애도하는 데 머무르지 않고, 상실 이후에도 지속되는 생명의 순환과 회복의 가능성을 바라보는 시선에서 출발합니다.

박경희 작가의 개인전 《생동하는 숨》은 불길이 휩쓸고 지나간 자리에서 다시 움트는 생명의 미세한 움직임을 화면 위에 담아냅니다. 화면을 가득 채우는 황금빛 형상들은 재 위를 가장 먼저 뒤덮는 새순이자 풀꽃이며, 자연이 스스로를 복원해 가는 생명의 리듬을 상징합니다. 유기적으로 흩어지고 다시 응집하는 빛의 군집은 끊임없이 순환하는 자연의 질서와 삶의 호흡을 은유하며, 상실을 넘어 다시 살아가는 존재들의 생명력을 조용히 드러냅니다.

작가는 산불의 상흔을 비극의 이미지로 재현하기보다, 그 이후에도 멈추지 않는 자연의 회복력과 그 안에서 피어나는 희망의 가능성에 주목합니다. 타버린 풍경은 끝이 아닌 또 다른 시작의 토양이 되고, 그 위를 채우는 생명의 빛은 기억을 지우는 것이 아니라 품고 살아가는 치유의 시간을 보여줍니다.

안계미술관은 이번 릴레이 전시를 통해 지역이 경험한 재난의 기억을 공동체가 함께 공유하고 성찰하는 문화적 서사로 확장하고자 합니다. 《재에서 생으로: 다시 쓰는 호흡》은 상처를 잊기 위한 전시가 아니라, 상실을 품은 채 다시 살아가는 삶의 의지를 이야기하는 전시입니다. 박경희 작가가 그려낸 《생동하는 숨》의 박동이 관람객 한 사람 한 사람의 마음속에 새로운 호흡으로 이어져, 살아내는 용기와 회복의 가능성을 함께 발견하는 시간이 되기를 바랍니다.

전시명: 박경희 개인전 <생동하는 숨>

전시일정:　7월 2일(목) ~ 8월 1일(토)

오프닝 리셉션 & 아티스트 토크: 7월 2일(목)　오후 5시

주최/주관: 안계미술관

후원: 한국문화예술위원회, 시각예술 창작주체(창작공간)

*이 전시는 한국문화예술위원회(아르코)의 ‘2026년 시각예술창작주체(창작공간)’의 지원을 받았습니다.

작 가 : 최은희 @art_choieunhee

기 간 : 2026.07.11- 07.26

시 간 : 오전 10시30분 - 오후 6시30분

장 소 : 초량로 79-6 1층 낭만시간연구소

주 차 : 부산동구초량로75번길11

기 획 : 낭만시간연구소

오프닝 : 2026.7.11. 토요일 오후 4시

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최은희 작가의 회화는 화이트 큐브의 전시장을 벗어나 야외 공간 ‘밖-앝’에서 자연과 시간 속에 놓였다. 작품은 비와 바람, 온도와 습도, 식물의 성장과 마모의 시간을 통과하며 서서히 자연과 동화된다. 그리고 다시 전시장으로 돌아온다. 이 이동의 과정은 회화가 어디에 있을 때 가장 자유로운가, 회화에 과연 해방의 상태가 가능한가라는 질문을 남긴다.

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이번 전시는 단순히 야외에 놓였던 회화를 다시 화이트 큐브 안으로 옮겨오는 데 머물지 않는다. 낭만시간연구소는 ‘밖-앝’에서 자연과 함께 변화한 회화를 이전과 같은 백색의 전시 환경으로 되돌려 놓기보다, 화이트 큐브와 야외 공간 사이의 중간지대에 위치시키고자 한다. 통제와 비통제, 보존과 소멸, 감상과 접촉이 교차하는 이 장소에서 회화는 벽에 걸린 보존 가능한 이미지라는 기존의 역할을 벗어난다.

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관객은 흰 벽에 걸린 작품을 일정한 거리에서 바라보는 방식에서 벗어나, 잔디 위에 놓인 회화와 가까이 마주하게 된다. 작품을 손으로 만지고, 발밑의 잔디를 밟으며, 변화하는 공간의 냄새와 온도, 습도를 감각한다. 이때 관객은 작품의 외부에 머무는 감상자가 아니라 전시가 진행되는 시간과 변화의 과정에 함께 참여하는 존재가 된다.

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화이트 큐브에서 출발해 ‘밖-앝’을 지나 다시 전시장으로 돌아오는 이 여정은, 회화가 자연과 만날 때 어떠한 새로운 존재 방식과 감각을 획득할 수 있는지 묻는다. 이번 전시는 전시 공간의 변화가 작품의 해방으로 이어질 수 있는지, 그리고 회화의 자유가 하나의 고정된 장소가 아니라 서로 다른 환경을 통과하고 관계 맺는 과정 속에서 어떻게 발생하는지를 함께 사유하는 시간이 되기를 바란다.

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글. 낭만시간연구소(김민서,여수현)

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#최은희개인전 #해방된회화 #부산전시 #부산역전시 #낭만시간연구소

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전시명:《붉은 달, 푸른 별》

작가: 이세현

전시기간: 2026. 7. 4 (토) – 7. 22 (수)

장소: 아트코드갤러리(서울시 강남구 언주로 130길 14)

전시 서문

달은 하나다. 별도 하나다.

그런데 누군가의 눈에는 붉게 보이고, 누군가의 눈에는 푸르게 보인다.

무엇이 같은 빛을 다른 색으로 만드는가.

이세현 작가의 붉은 산수는 군 복무 시절 야간 투시경을 통해 바라본 최전방의 풍경에서 출발했다. 칠흑 같은 밤, 적외선을 통해 보여진 단색으로 빛나던 아름답고도 두려운 풍경이 그 시작점이었다. 작가는 같은 자연을 어떤 렌즈로 보느냐에 따라 전혀 다른 색과 감정의 풍경이 펼쳐진다는 사실을 몸으로 체득한 사람이다.

그 밤, 하늘에는 달이 떠 있었다. 투시경 속에서 달은 더 이상 흰빛이 아니라 붉게 타오르는 하나의 점이었다. 같은 달을, 두 개의 눈으로, 두 개의 색으로 본 셈이다. 이후 그는 그날의 인상을 캔버스 위로 옮겨왔다. 붉은 산수는 그렇게 태어났다. 그리고 시간이 흐르며, 같은 산수는 푸른빛으로도 번역되기 시작했다. 하나의 풍경이, 하나의 하늘이 두 개의 색을 입었다. 어느 쪽이 진짜 달의 색인가, 어느 쪽이 진짜 별의 색인가. 질문은 여기서부터 시작된다.

색이란, 현대사회에서 실상 인간의 인식과 생각 그 자체다. 같은 사건과 같은 사실은 누군가에게는 희망의 색으로, 누군가에게는 경계와 불안의 색으로 받아들여진다. 그리고 이 모든 인식은 더 이상 우리의 두 눈이 아니라, 알고리즘이라는 또 하나의 '투시경'을 통해 걸러진 채 도달한다.

우리는 세상을 보는 것이 아니라, 우리에게 보여진 것을 본다. 그리고 그렇게 본 것을 '사실'이라 부른다. 이세현이 투시경을 통해 마주했던 붉은 달처럼, 오늘 우리가 마주하는 세계 역시 누군가의, 혹은 무언가의 필터를 거친 단색의 풍경일지 모른다.

이번 전시는 이세현의 붉은 산수와 푸른 산수를 나란히 놓는다. 둘 중 하나가 진실이고 다른 하나가 거짓이라고 말하기 위해서가 아니다. 같은 풍경, 같은 사실이 어떤 필터를 거치느냐에 따라 완전히 다른 진실로 보일 수 있다는 점을 시각적으로 체험하게 하기 위해서다. 이는 정치적 진영을 지지하거나 비판하기 위함이 아니라, 우리가 무언가를 '본다'고 믿는 행위 자체에 대한 질문을 던지기 위함이다.

가까이 다가가면, 산수 속에는 작은 마을과 길, 사람들의 흔적이 숨어 있다. 멀리서 보면 하나의 거대한 풍경이지만, 가까이서 보면 그 안에 무수한 디테일이 존재한다. 어쩌면 우리가 지금 너무 멀리서, 너무 빠르게, 너무 단순한 색으로만 저 달과 별을 보고 있는 것은 아닐까.

이 전시는 답을 주지 않는다. 다만 묻는다.

지금 당신이 보고 있는 색은, 달과 별이 가진 색인가, 아니면 당신의 렌즈가 입힌 색인가. 그리고 그 렌즈를 내려놓았을 때, 당신은 어떤 색으로, 어떤 가치로 세상을 바라보며 살아가고 싶은가.

붉은 달과 푸른 별 사이, 그 어딘가에서 — 당신의 눈을, 당신의 감각을 찾아보길 바란다.

이세현_Between Blue- 017OCT03_Oil on Linen_100x 100cm_2017 이세현_Beyond Blue - 026MAY01,162.2cmx 130.3cm ,Oil on Linen, 2026

이세현_Beyond Blue -022AUG01_Oil on Linen_80x 200cm_2022

이세현_Beyond Red - 025NOV01_80x 200cm_Oil on Linen_2025

아트코드갤러리

전화: 0507-1400-6359

이메일: galleryartcode@gmail.com

인스타그램: @artcode_gallery @artcode_choi

홈페이지: www.artcode.co.kr

주소: 서울시 강남구 언주로 130길 14

청주 갤러리원 A관 전호 수채화전

갤러리 원 청주점에서 전호 수채화전이 전시 진행됩니다.

07월 09일부터 07월 22일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

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<전시정보>

■ 전시 장소 : 충북 청주시 상당구 상당로81번길 63. 1층 갤러리 원

■ 전시 일정 : 2026.07.09 (목) ~ 2026.07.22 (수)

■ 관람 시간 : AM 11:00 ~ PM 20:00

■ 입장료 : 무료

■ 관람 일정 : 월~일 (연중무휴)

■ 문의 : (043-221-5985)

■ 홈페이지 :청주 갤러리 원 (@cheongju\_gallery\_one) / blog.naver.com/gallery\_one​

청주 갤러리원 B관 나진기 개인전

갤러리 원 청주점에서 나진기 개인전이 전시 진행됩니다.

07월 09일부터 07월 20일까지 연중무휴 전시 진행되오니,

많은 관심과 사랑 부탁 드립니다.

[나진기 작가노트]

흐트러지고 나름대로의 멋으로 피어나는 생명을 두툼한 흙의 질감과 여러 가지 혼합 재료를 이용하여 사실적 표현과, 단순화 시키고, 변형된 이미지를 반 구상으로 표현하고자 하였으며 캔버스에 넓은 공간감과 많은 여백을 두어  함축된 무한한 정신세계를 암시하도록 하였으며, 

또한 보이지 않던 조그만 씨앗이 온갖 풍파를 이겨내어 하나의 결실을 맺어 피어나는 성장과정을 묘사하여 곁에 두고픈 아름다움으로 표현하고자 하였다.

여러 번의 밑 작업을 통하여 겹칠과 덧칠, 뿌림의 반복적인 작업과, 흘림을 통하여 묻어나오는 자연스러운 수채화의 맛을 나타내기도 하였으며,  

나이프로 긁어내기도 하고 문지름을 이용하여 어우러져 나오는 밑색의 느낌을 하나의 통일된 주제로 나타나도록 하였다. 

우리의 정서와 어울어 질수 있도록 토속적이고 자연의 색을 만들고자 우연의 효과와 최대한 여러 번의 시도된 효과를 그대로 이용하기도 하며, 화면에 많은 것을 그려 하나 하나 지워가면서 감추어져있는 잠재된 생명을 투명기법과 불투명의 기법을 고루 섞어 표현하였다.

복잡한 세상 속에 살아가는 사람들에게 자연의 훈훈함과 함께 살아가며, 

대화하는 작품 속에

The Sound and Resonance of Light

전시 일정: 2026년 7월 8일~19일

장소: CN갤러리 (서울시 종로구 북촌로 5길 56-7)

관람 시간 : 화요일~일요일 10:00~18:00

휴관일 : 매주 월요일 / 공휴일

빛,  웅장한 울림부터 따뜻한 위로까지

본 전시는 오랜 기간 전통 안료인 분채와 석채를 활용해 독자적인 적층(積層) 기법을 구축해 온 이계길의 신작들을 선보인다. 기존의 시각적 재현으로서의 '빛'을 넘어, 화폭 위에 겹겹이 쌓아 올린 안료의 밀도와 질감을 통해 빛이 지닌 시각적 이미지를 청각적 공간감(소리와 울림)으로 확장하고자 한다. 어둠을 뚫고 퍼져 나가는 빛의 파동을 웅장한 내면의 울림으로 시각화하며, 혼란한 동시대를 살아가는 관람객들에게 단순한 감상을 넘어 마음 깊은 곳을 울리는 따뜻한 위로와 사색의 공간을 선사한다. 전통 채색화의 맥을 이으면서도 현대적 조형 언어로 재해석된 빛의 변주를 만나볼 수 있는 전시이다.

자연의 표정에 담긴 삶의 기록

이계길 화백은 끊임없이 변화하는 자연의 풍경 속에서 신의 섭리를 발견하고 자신의 삶과 예술을 투영해 왔다. 늘 같은 자리에 있는 듯하지만 시시각각 다른 표정을 보여주는 자연은 작가의 주요한 창작 원천이 되었으며, 화면에 담긴 풍경들은 자연에 대한 기록이자 작가 자신의 내면을 비추는 흔적이 된다.

빛의 울림으로 확장된 조형 언어

대학 시절 주변 풍경을 담아낸 채색화에서 출발한 그의 작업은 종교적 성찰을 거쳐 빛의 리듬과 울림을 탐구하는 조형 세계로 확장됐다. 자연과 신앙 안에서 얻은 깊은 사유는 촛불의 미세한 흔들림에서 시작해 ‘빛의 선율’이라는 독창적인 조형 언어로 승화된다.

색채와 형상에 대한 꾸준한 탐구가 응축된 작품들은 변화와 생성의 순간들을 담아내며, 자연과 인간, 그리고 존재에 대한 작가의 사유를 드러낸다. 《빛의 소리와 울림》은 빛과 색채가 만들어내는 울림 속에서 삶과 신앙, 자연의 의미를 되새겨보는 자리가 될 것이다.

The Sound and Resonance of Light

This exhibition presents new works by Lee Kye Kil, an artist who has devoted decades to developing a distinctive technique of layered painting using Bunchae(finely ground mineral pigments) and Seokchae(coarsely ground mineral pigments), two Korean traditional materials that have long been central to Korean painting.

Moving beyond the conventional depiction of light as a visual phenomenon, Lee transforms the accumulated density and texture of meticulously layered pigments into a sensory experience that extends from sight to sound. Through this process, the visual presence of light evokes a profound sense of resonance and spatial depth, suggesting echoes that reverberate beyond the picture plane.

The artist visualizes waves of light emerging from darkness as monumental inner reverberations, inviting viewers to experience not merely an aesthetic encounter but a quiet space for contemplation and emotional renewal. In a time marked by uncertainty and constant change, these works offer a gentle solace that reaches beyond the visible, touching something deeply human.

Rooted in the enduring tradition of Korean "Chaesaekhwa" (traditional polychrome painting) while reinterpreting its visual language through a contemporary sensibility, this exhibition reveals a rich spectrum of variations on the theme of light, where tradition and innovation converge in luminous harmony.

 곧바로 취한 행동은 문제를 직면하는 것이 아닌 문제로부터 도피하는 것이었다. 문제를 직면하게 되면 그 문제 안에 내가 가지고 있는 책임들을 함께 마주하게 되는데 스스로를 책임지는 것부터 어른이 되는 첫 번째 관문인 것을 알지만 그 책임에 대한 무게감에 부담을 느끼거나 꺼려지게 되면서 알려 하지 않고 외면하는 무지함으로 가는 길을 택하여 어른이기를 포기하거나, 이를 의도적으로 숨기거나 혹은 알려주려는 타인이 나타날 때 그들을 부정하는 고함을 지르며 아무도 내가 질 책임을 알 수 없게 만들어내려 했다. 그게 다들 이 차가운 사회에서 살아가는 방식이었고 실로 꽤 효과적이다. 그래서 세상엔 무시무시한 어른은 없고 아는 것도 없고 알려 하지도 않는 ‘무지무지한 어른들’뿐이 돼 가고 있으며 이를 대물려주고 있는 줄도 모르고 있다. 혹은 알면서도 이 역시 외면하고 있을지도 모른다.

 진짜 문제 속에 있는 각자의 책임을 외면하고 책임지지 않아도 될 것들만 맘 편히 문제 삼아 댄다면 당사자가 직접 몸을 일으킨다 한들 문제에서 벗어나기 위한 발버둥을 치며 다시 무기력해져 아무것도 진전되지 못하고 그대로 다시 돌아가 버리는 이 굴레에서 벗어날 수 없다. 왜 끝내 맨몸으로 버티지 못하는지 알기 위해 조금 껄끄럽더라도 좀 더 솔직히 들여다보는 태도를 모두가 가져야 하지 않을까싶다. 아직 무시무시한 어른이 있다고 믿는 아이들을 위해서라도.   

고종환 작가님의 <곁의 결> 사진전 소식을 전합니다.

<전시 소개> 

다시 카메라를 곁에 두고 풍경을 담아온 지 어느덧 10년.

렌즈를 통해 누군가에게 ‘곁’을 내어주는 일들을 배워갔습니다.

그 길에서 언제나 같은 자리를 지키는 

바다는 삶의 큰 버팀목이었습니다. 

방향을 잃고 헤맬 때마다 아무것도 묻지 않고,

그저 묵묵히 밀려오고 밀려가며 

제 이야기를 들어주던 품이었습니다.

그 넓은 품이 없었다면 저 역시 매일의 불안 속에서 

마음의 결을 지켜내지 못했을 것입니다.

이번 전시는 저를 단단하게 안아주었던 

그 바다의 다정한 숨결을 조심스럽게 옮겨온 여정입니다. 

거친 파도가 휘몰아친 뒤에 마침내 

더 투명하고 고요한 수평선이 찾아오듯, 

사진 속에 담긴 바다의 미묘한 물결과 변화들은 

지금 힘겨운 계절을 지나고 있는 

우리 모두의 시간과 참 많이 닮아 있습니다. 

잠시 무거운 일상을 내려놓고, 

다감한 바다의 곁에 머물러 보시기를 권합니다. 

흔들리면서도 중심을 잃지 않는 파도처럼, 

이 공간이 지친 마음의 포근한 안식처가 되기를 바랍니다.

거친 물결 끝에 푸른 빛을 지켜내는 바다를 통해, 

다시 걸어 나갈 용기와 희망을 채워가실 수 있다면 좋겠습니다.

언제나 이 자리에서, 당신의 안녕을 온 마음으로 응원합니다.

<전시 정보> 

기간 : 2026년 7월 13일 ~ 7월 25일

관람 시간 : 상시 개방 

장소 : 강릉 아산병원 갤러리 

관람료 : 무료

*이 전시는 강릉문화재단 후원으로 제작되었습니다. 

- 서문 「블랙박스 공략집」中

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《

산다는 건, 아주 구체적이고 아주 보편적인 일

살다 보니

《웨이포인트: 서울/방콕》(이하《웨이포인트》)은 류민수와 정우빈의 2인전이다. 이 둘은 20대 중반에서 후반으로 넘어가는 시기를 함께 보낸 친구이자, 전시를 만들며 미술 현장에서 각자의 일을 이어가고 있는 동료이기도 하다. 그러나 시간이 지나며 두 사람의 생활은 서로 다른 방향으로 향한다. 류민수는 현재 서울에 머물며 자신의 생활 기반을 이어가고 있고, 정우빈은 태국과 한국을 오가며 살고 있다. 삶의 일부를 공유해왔던 두 사람의 일상은 점차 변화했고, 이 변화를 들여다보는 것이 이번 전시의 시작이다. 전시 제목인 ‘웨이포인트’ (Waypoint)도 이 맥락을 함축한다. 웨이포인트는 경유지라는 뜻으로 류민수와 정우빈의 작업이 전시장이라는 특정한 교차점에서 만나 잠시 머물고, 다시 각자의 방향으로 이어지는 상황을 가리킨다. 부제 ‘서울’과 ‘방콕’은 두 작가가 활동하거나 생활의 기반을 두고 있는 실제 장소이다. 이번 전시는 자신을 들여다보는 일에서 출발하지만, 그 시선은 곧 자신 바깥으로 번져 나간다. 한 사람을 이루는 것은 하나의 사건으로 응축되지 않는다. 그것은 살아오며 겪은 관계와 압박, 실패와 유예, 머물고 싶음과 떠나고 싶음 사이의 긴장, 그리고 일반적인 삶의 경로로는 포섭되지 않는 특수한 경험의 축적이다. 이 전시는 이렇듯 쉽게 하나로 정리되지 않는 자신과 그 삶을 되돌아본다. 자신의 주변인을 불러 모으고, 나를 둘러싼 기대와 요구가 어떻게 작동해 왔는지를 되짚으며, 두 작가는 작업을 하며 산다는 것이 무엇인지를 묻는다. 

류민수: 함께 있음이 실패할 자리 

류민수는 가상의 캠핑 현장인 〈V.F〉를 만든다. 이는 작년 가을 옥상에서 동료 작가들과 바비큐 파티를 하며 경험했던, 따뜻하고 다정한 사람들과 환경을 다시 불러오려는 시도에서 출발한다. 〈V.F〉에선 모닥불이 중심의 역할을 한다. 그러나 그것은 온기를 제공하지 않는 불이며, 주변의 인물들 역시 실제 몸을 갖지 못한 채 그 주위를 둘러싼다. 류민수의 가상은 3D 프린팅, 홈캠, 전화, 전선과 같은 기술적 매개를 통해 조각적 상황으로 이어진다. 그의 작업은 조각적 상황을 완성하기 위한 조각들을 모으는 행위에 가깝다. 〈V.F〉는 가족, 친구, 지인의 몸을 스캔한 뒤, 그 표면을 3D 프린팅하여 반투명한 외피로 옮긴다. 이들은 실제로 전시장에 모이지 않지만, 형상은 출력된 외피로, 시선은 홈캠으로, 목소리는 통화 장치를 거쳐 연결된다. 기술은 함께 있을 수 있는 환경을 일부 제공하는 듯 보이지만, 동시에 그 한계도 확인시킨다. 경험이 특정한 시간과 공간 안에서 자신의 몸을 통해 성립하는 것이라면 그의 작업 방식은 바로 그 몸이 삭제된 상태를 드러낸다. 
      류민수는 ‘나’에서 출발해, 나와 조금은 가깝지만, 또 다른 나, 또는 조금 더 먼 나, 그리고 나의 주변으로 관계의 반경을 넓혀간다. 그런 점에서 〈V.F〉는 류민수가 지속적으로 다루어온 관계의 반경과 모임의 불가능성을 다른 방식으로 확장한 작업으로 볼 수 있다. 이러한 관계의 반경은 〈V.F〉에서 작가-작품, 작품-관객 그리고 주변인이라는 관계 항을 놓고 볼 수 있다. 〈V.F〉는 누구도 안정적인 위치에 머물지 못하는 조각적 상황을 보여준다. 작가는 작품 제작자이며, 〈V.F〉가 작동하도록 연결 상태를 확인하고 유지하는 개입자로 등장한다. 그는 두상에 설치된 홈캠과 전선, 장치의 상태를 점검하며 이 가상의 캠핑 현장을 유지한다. 이처럼 작가는 조각적 상황 안팎의 경계에 놓인 존재로 남는다. 관객 역시 〈V.F〉에 온전히 초대된 상대는 아니다. 통화 중인 작가는 관객을 향하지 않고, 홈캠의 응시 대상이 되기도 한다. 〈V.F〉에서 관계는 연결되면서도 어긋나고, 모두를 초대하는 듯 보이지만 끝내 완전히 포함되지 않는다. 류민수는 주변인을 호출하지만, 이들은 보편적 인간의 사례가 아니라 그와의 관계 속에서만 의미를 갖는 구체적인 사람들이다. 그러나 바로 이 구체적인 사람들이 모이지 못하는 장면에서 오늘날 관계가 얼마나 쉽게 분리되며 어긋나는지가 드러난다. 보편성은 추상적인 공통점이 아니라, 특정한 삶의 예외와 실패를 통해 드러난다.    류민수의 가상 캠핑장은 공동체의 성공적인 재현이 아니라, 함께 있음이 실패하는 방식의 재현에 가깝다. 여기서 실패는 실패할 것을 이미 알고 있지만 설명할 수 없는 것, 혹은 끝내 모르는 척하고 싶은 것일 수도 있다. 그 실패를 통해 우리는 오늘날 누구와 함께 있고, 혹은 누구를 잃었으며, 끝내 포기할 수 없는 것은 무엇인지를 묻게 한다. 한편으로 실패를 반복할 수 밖에 없음에도 불구하고, 혹은 실패할 수밖에 없는 것을 알면서도 그것을 붙잡고 있는 것일까? 과연 이 질문에 답을 낼 수 있을까? 

정우빈: 증명되지 않은 삶을 꺼내는 일 

 정우빈은 이번 전시에서 태국에서 생활하며 그려온 일상의 장면들을 처음으로 공개한다. 이는 기존 작업과는 다른 면모를 드러내는 일로, 작가는 전시를 (기획)함에 있어 스스로에게 용기가 필요했다고 말한다. 용기라는 말은 언제나 동일한 무게로 주어지지 않는다. 여기에서 용기는 증명되지 않은 상태를 감수하는 용기에 가깝다. 따라서 〈태국〉 시리즈는 삶과 작업이 더 이상 분리될 수 없다는 사실을 직접적으로 드러내는 결과물로 볼 수 있다. 그가 이 작업을 쉽게 꺼내지 못했던 이유는 단지 이전 작업과 결이 달라 보일 수 있다는 우려 때문만은 아닐 것이다. 그것은 사회가 승인하는 경로와 무엇이 정상인지 아닌지 판단하는 기준에서 비켜난 삶의 시간을 어떻게 드러낼 것인가의 문제에 가깝다. 정우빈은 2023년 처음 태국으로 떠난 뒤 그곳에 생활의 기반을 만들었고, 이후 한국과 태국을 오가며 살아왔다. 이때 이동과 정착의 과정은 한국에서 익숙하게 받아들여 온 삶의 방식과 태국에서 새롭게 만들어가는 생활 사이의 차이를 통과하는 일이었다. 그 사이에서 작가는 사회가 어떤 삶을 납득 가능한 것으로 승인하는지, 그리고 그 바깥의 삶을 왜 쉽게 실패로 돌려세우는지를 되묻게 된다.     이때 삶의 기준은 가족이 기대하는 삶, 사회가 요구하는 안정, 작가로서 응당 쌓아야 한다고 여겨지는 경력, 그리고 미술 현장에서 반복되는 조언과 충고의 형태로 구체화한다. 작가는 자신이 무엇을 원하는지 묻기보다, 자신이 무엇을 증명해야 하는지, 조언에 어떻게 자신을 맞출지 먼저 계산하게 된다. 증명의 굴레로 들어가는 순간, 실패 역시 개인의 몫으로 귀속된다. 특히 작가의 삶은 이 구조와 쉽게 겹친다. 작가는 자유로운 사람처럼 보이지만, 동시에 자신의 선택이 방황이나 실패가 아니라 다른 하나의 방향임을 반복해서 설득해야 한다. 정우빈의 태국 시리즈는 그의 삶이 성공과 실패로 쉽게 정리되지 않음을 보여준다. 바로 그 중간 상태가 그를 끊임없는 증명의 자리로 불러낸다.     그런 의미에서 〈태국〉 시리즈는 정우빈에게 그 요구와 증명이 자신 안에서 어떻게 작동해왔는지를 되돌아보게 한다. 한국에서의 시간이 조언과 충고, 비교와 기대 속에서 작가를 특정한 방향으로 밀어 넣었다면, 태국에서의 시간은 그가 자기 자신을 돌아보게 한 시간이었다. 이렇게 〈태국〉 시리즈는 자신이 선택했지만 여전히 흔들리는 마음, 떠났지만 완전히 벗어나지 못함을 품고 있다. 태국의 풍경과 사물, 사람을 그린 이 그림들은 단순한 기록이 아니다. 그것은 자신을 이루는 존재들이며, 하나의 일관된 자아로 정리되지 않는 복수의 마음들이다. 전시장을 가득 채운 그림들은 그동안 쉽게 드러내지 못했던 삶의 장면들을 전면으로 끌어낸다. 그것은 스스로를 해명하거나 증명하기보다, 전시라는 형식을 빌려 말하지 못했던 삶을 꺼내 보이는 하나의 시도에 가깝다. 전시 기간 동안 작가는 방문자에게 1:1 대화를 요청한다. 이 대화는 자신이 작업을 해오는 동안 스스로도 몰랐던 언어와 경로를 찾고 싶다고 했던 그의 말과 이어진다. 이는 자신의 삶을 설명할 수 있는 언어를 찾고자 타인에게 도움을 요청하는 어떤 부탁으로 읽히기도 한다.  

 삶과 여행 사이의 웨이포인트

두 작가의 작업에서는 여행과 삶이라는 단어가 서로 교차한다. 류민수는 찰나의 따뜻한 시간을 〈V.F〉로 옮기며, 일상에서 잠시 벗어났던 순간의 온기를 다시 불러오고자 한다. 그러나 이는 여행(캠핑)의 설렘을 재현한다기보다, 이미 식어버린 불씨를 다시 살려보려는 안간힘에 가깝다. 이때 삶과 여행이 갖는 이질적인 시간은 서로 겹친다. 《웨이포인트》를 보러 온 사람 중 대부분에게 태국은 여행지일 것이다. 반면 정우빈에게 태국은 도망치듯 떠난 끝에 도착한 곳이었지만, 지금은 가족이 있는 집이다. 여행과 삶은 지금 당장 내 앞에 놓인 것과 더 멀리 놓인 것 사이의 거리에서 갈라진다. 목표를 이루지 못했거나, 거절당할지 두려워하거나, 누군가에게 피해를 줄까 노심초사하며 살아온 사람에게 여행은 잠시 다른 곳에 놓일 수 있으리라는 해방감의 약속처럼 느껴질지도 모른다. 그러나 여행이 삶이 되거나, 삶이 여행이 되거나, 결국 그 둘이 이도 저도 아니게 희미해져 버릴 때 우리는 무엇을 보게 되는가. 《웨이포인트》는 바로 그런 희미함 속에서의 돌아봄을 말한다. 류민수와 정우빈이 만든 사적이고 특수한 장면들이 실패하거나 어긋나는 순간, 오늘날 관계와 삶을 지탱하는 보편성이 함께 드러난다. 한 사람은 함께 있음이 실패할 자리를 계속 점검하고, 다른 한 사람은 외부에 의해 정해진 삶의 기준에서 벗어나기 위해 자신을 되돌아본다. 이들의 작업은 삶을 설명하기 위한 것이 아니라, 삶이 계속해서 흔들리고 어긋나는 과정 안에서 만들어진다. 따라서 전시는 하나의 나로 수렴되지 않는 삶, 정해진 경로에서 자꾸 벗어나는 인생, 그리고 그렇게 흔들리면서도 다른 시간을 기대하게 되는 마음을 보여준다. 《웨이포인트》는 오늘을 살아간다는 일이 얼마나 쉽게 설명될 수 없는지를 드러낸다. 산다는 건 여전히 정리되지 않은 채 존재하는 여러 갈래의 마음이 남아 있는 곳일지도 모를 일이다.

글. 박주희